Une œuvre d'art n'est pas seulement un tableau qui montre certaines images, c'est aussi une façon d'exposer la réalité, de capter la personnalité du peintre à chaque trait et même d'exprimer la mentalité et les angoisses d'une époque donnée. Donc, avec cet article, nous allons explorer tout le mystère derrière La Laitière de Vermeer.
Identification et description de la laitière de Vermeer
La Laitière est une huile sur toile de 45,5 x 41 cm du célèbre peintre hollandais Johannes Vermeer de Delf. Dans cette œuvre, l'artiste capture avec tous ses détails et sa sécurité, la prudence et la détermination avec lesquelles une employée de cuisine domestique accomplit l'une de ses tâches les plus courantes : verser du lait sur de la poterie en céramique. Le tableau se trouve actuellement au Rijksmuseum d'Amsterdam, aux Pays-Bas.
Les peintres de cette époque représentaient dans leurs œuvres des actions quotidiennes ou habituelles de la vie telles que les tâches ménagères, par exemple, de sorte que le genre costumbrista est quelque chose de très caractéristique dans cette œuvre de Vermeer, en plus d'avoir un style baroque hollandais qui a été utilisé beaucoup pour représenter la richesse des familles néerlandaises à l'époque. Bien que l'année exacte où la peinture a été achevée soit inconnue, les experts déterminent qu'elle a été peinte entre 1658 et 1661.
- Auteur: Johannes Vermeer
- Chronologie: 1658 - 1661
- Technique: Huile sur toile
- Dimensions maximales: 45,5 x 41 cm
- Sexe: Peinture de genre ou costumbrista
- Style: Baroque néerlandais
- situation actuelle: Rijksmuseum Amsterdam, Pays-Bas
analyse de la peinture
La première chose que vous voyez dans cette œuvre est une femme versant du lait d'une cruche d'argile dans un pot fait du même matériau. Le lait renversé devient le centre d'attention grâce à une astuce de composition ; qui est la construction de deux diagonales imaginaires qui se rejoignent sur les poignets de la femme. Alors que le pichet est incliné vers l'avant (comme dans ce tableau) ou tenu d'une manière suggestive, selon de nombreux critiques, le tableau fait référence à l'anatomie féminine.
Il y a aussi une table recouverte d'une nappe verte et sur laquelle pend une nappe bleue. Le tableau contient également des éléments de nature morte tels que plusieurs morceaux de pain, une corbeille à pain et une cruche en céramique bleue, (il est intéressant d'observer comment le peintre a utilisé de petits points brillants sur le pain, c'est une technique connue sous le nom de puntillés).
La laitière de Vermeer qui est elle-même une servante, faisant peut-être de la bouillie de pain dans la marmite. La silhouette robuste de la femme est éblouie par la lumière qui passe par la fenêtre, elle s'est concentrée sur sa tâche pour que son visage reflète une immersion dans ses pensées ou simplement sa préparation. Certains observateurs du tableau disent que ses pensées peuvent être liées à un fantasme sur quelqu'un, notant que le rougissement sur ses joues peut valider cette idée.
Vêtement très représentatif de la Hollandaise contemporaine du XVIIe siècle, elle porte un chapeau en lin blanc, une veste en laine jaune, des manches retroussées vertes et bleues non comprises dans sa veste, un tablier bleu et une jupe rouge. À l'emplacement de la scène, la lumière du soleil pénètre par la fenêtre de gauche.
De même, une corbeille à pain peut être détaillée qui est accrochée au mur à droite de la fenêtre. Un petit tableau au contenu inconnu est suspendu au-dessus du panier et un récipient en métal est également suspendu à sa droite. Le grand mur arrière est blanc où l'on peut remarquer la présence d'un clou et quelques absences de ceux-ci dues aux petits trous présents dans l'oeuvre, de plus ce mur est éclairé par la lumière du soleil à travers la fenêtre.
Dans le segment inférieur de ce mur, il y a une série de carreaux bleus de Delft caractéristiques. A l'opposé de ces carreaux se trouve une sorte de chauffe-pieds avec neuf trous en haut et un bol rempli de braises à l'intérieur, cet objet suggère des sensations de chaleur et d'absence de chaleur. En termes d'iconographie, il a été largement écrit que la symbolique de celle-ci dénote un éveil dans la sexualité de la femme, puisque les braises insinuent qu'elles ne réchaufferont pas seulement ses pieds mais toutes les autres parties du corps cachées sous sa jupe.
Ainsi, le chauffe-pieds peut avoir signalé la réputation dominante des domestiques, en particulier des laitières, comme sexuellement disponibles, et d'un point de vue pragmatique peut indiquer le travail acharné des femmes et leur besoin de repos entre les deux.
En continuant avec l'observation du tableau, à gauche du radiateur se trouve un carreau qui a la figure de Cupidon, tandis que le carreau à droite du radiateur représente un homme avec une longue canne. Ce dernier chiffre mentionné pourrait également valider ce qui a été mentionné ci-dessus par rapport à la pensée de la femme, on peut donc dire que le personnage de sa pensée est un amant absent. L'image de tuile adjacente à l'extrême droite présente une image délibérément indéchiffrable.
La qualité des matériaux
Cette œuvre de la laitière de Vermeer présente divers détails qui dénotent un certain héritage de l'école de peinture de la Renaissance flamande du XVe siècle, parmi les plus caractéristiques de cette œuvre sont les suivants : le détail du panier en osier, le clou qui se trouve sur le mur et le chauffe-eau contenant un bol rempli de charbons ardents.
Composition et sens de l'espace
La première chose qui retient l'attention de "La Laitière de Vermeer" est la forte disposition triangulaire formée par la femme, le pain et la table. Cette zone contient la plupart des couleurs, des activités et des lumières du tableau. De plus, il y a une ligne implicite créée par le champ de vision de la femme lorsqu'elle regarde le lait renversé. D'une certaine manière, cela aide à garder votre attention sur cette zone triangulaire : cela vous donne donc envie de voir où la femme regarde.
En dehors de la zone susmentionnée, il y a quelques vues moins importantes dans la composition : les carreaux de Delft et la chauffe-pieds au bas du mur ; le panier suspendu à gauche; le clou et les petits trous dans le mur ; La fenêtre; et ce qui semble être un cadre photo suspendu dans le coin supérieur gauche.
En eux-mêmes, ce ne sont pas des éléments clés de la peinture, mais ils jouent un rôle important dans la mise en forme de la scène et attirent votre attention sur la peinture. Ainsi, le peintre ajoute également l'élément : ainsi, plus vous regardez, plus les détails deviennent subtils. Enfin, on peut noter que tous les détails incorporés par le peintre, y compris le jeu entre les bords durs, mous et manquants, contribuent au remarquable sens du réalisme de ce tableau.
Il convient de noter que les bords durs suggèrent des changements soudains dans le sujet, comme le passage d'un tissu clair à un tissu foncé ou d'un tissu jaune à un tissu bleu. Les bords mous et perdus indiquent un manque de clarté dans les zones masquées par des ombres.
Les couleurs, la lumière et la texture
Quant aux couleurs, Vermeer a utilisé un petit nombre de pigments par rapport à son peintre contemporain et producteur de couleurs Rembrandt, qui a utilisé plus d'une centaine de pigments. Cependant, moins de vingt pigments ont été détectés dans les œuvres de Vermeer et dix d'entre eux semblent avoir été utilisés régulièrement.
Fait intéressant, à l'époque de Vermeer, chaque pigment différait de l'autre en termes de durabilité, de temps de séchage et de travail. La difficulté de peindre avec ces pigments était que beaucoup d'entre eux étaient souvent incompatibles entre eux et devaient être utilisés séparément. S'il est peu probable que Vermeer ait eu tous les pigments sur sa palette lors de la création de l'une de ses œuvres, il est possible qu'il ait eu les pigments nécessaires pour chaque partie de la peinture sur laquelle il travaillait.
Ce peintre utilisait sept types différents tels que : le blanc de plomb, l'ocre jaune, le vermillon, le rouge fou, le vert terre, l'ambre brut et le noir d'ivoire. Un fait notable serait de dire qu'à La Lechera il y a des nuances de bleu à peindre. Vermeer a donc utilisé un pigment spécial appelé outremer, qui était plus cher et plus fin que l'azurite couramment utilisée.
Maintenant, quant à l'analyse du tableau, à partir du visage de la femme, il est important de se concentrer sur la lumière qui filtre à travers la fenêtre et qui se reflète directement sur son visage dans des ombres et des écailles pâles, créant un effet tridimensionnel. Pour le visage, le peintre a utilisé de petites touches de peinture telles que le brun rougeâtre, le blanc, l'ocre clair et le brun mélangés pour peindre la forme de son visage.
La fenêtre devient l'un des points focaux du tableau, apportant lumière et luminosité au portrait. Ainsi Vermeer accorde la plus grande attention à chaque détail du tableau ; un objet ordinaire comme la fenêtre rustique est méticuleusement peint en prêtant attention aux petits détails comme un morceau de verre brisé ou l'irrégularité du cadre de la fenêtre. Comme dans ce tableau et d'autres de Vermeer, les fenêtres sont si géométriquement stylisées que, dans certains cas, elles ressemblent à des œuvres d'art abstraites en elles-mêmes.
Le panier et le seau en cuivre près des éléments de fenêtre du tableau sont peints en blanc, ocre et noir, qui sont finalement combinés pour correspondre à la forme en osier du panier. Désormais, la texture légèrement poreuse de la cruche en céramique et les pointillés avec lesquels le pain est peint donnent à l'image une brillance et un naturel extraordinaires.
En ce qui concerne le vêtement, que beaucoup disent être une robe d'hiver en raison du nombre de couches qu'il comporte, le peintre a appliqué des touches rapides et épaisses de pigment jaune et brun pour lui donner la texture rugueuse requise.
Or, la façon dont Vermeer a inclus les effets de la lumière du soleil dans ce tableau est particulièrement remarquable. La lumière est plus visible lorsque vous regardez les murs. Le mur de gauche est dans l'ombre et le mur du fond est très éclairé. Vous pouvez également voir différentes ombres sur le mur du fond. Une évidence est l'ombre du conteneur métallique à gauche du mur du fond.
Un autre point à souligner par rapport au travail de la lumière se voit dans la fenêtre qui n'est que partiellement incluse, ici on peut se faire une bonne idée de sa taille réelle en observant la présence ou l'absence d'ombres. Par exemple, lorsque l'ombre de la laitière n'est pas présente, cela indique que la fenêtre ne s'étend pas loin vers la gauche. Cependant, on peut voir l'ombre de l'ongle en haut du cadre (au-dessus de l'épaule droite de la Laitière), indiquant que la fenêtre est assez haute.
Faits amusants
Lorsque la peinture a été soumise à une vision aux rayons X ou à des techniques d'analyse modernes, on peut voir que la peinture actuelle a un grand changement de pentimento ou d'arrière-plan, c'est-à-dire que des objets que Vermeer a placés en premier mais ont ensuite décidé de changer avec d'autres peuvent être vus .objets.
Le peintre a d'abord inclus une peinture d'une carte du monde sur le mur blanc. Cependant, comme les peintures étaient assez chères à l'époque, il les a retirées pour créer un mur vide afin de simplifier la pièce. Deuxièmement, il a également inclus un panier à linge à côté du bas à droite de la jupe rouge de la femme, mais l'a également retiré plus tard. Il a probablement retiré ce panier pour mettre davantage l'accent sur le sujet principal de ce tableau et ne pas trop distraire le spectateur.
En ce qui concerne l'identité de la femme, certains critiques ont émis l'hypothèse que Tanneke Everpoel était la servante de la famille Vermeer. Et d'une certaine manière, ce portrait lui est associé en raison de certains documents d'archives de 1663 à partir desquels son existence et son caractère sont connus.
En ce qui concerne le mouvement physique de la peinture, il existe des informations selon lesquelles environ 1674 œuvres de Vermeer auraient été achetées par son mécène de Delft, Pieter van Ruijven, à la mort du peintre en 21. Lorsque ces peintures ont été vendues à la succession du gendre de van Ruijven, Jacob Dissius en 1696, La Laitière de Vermeer a été décrite comme "exceptionnellement belle" et a commandé le deuxième prix le plus élevé de la vente (le célèbre paysage urbain de Vermeer, Vue de Delft ( qui se trouve dans le Mauritshuis à La Haye), était un peu plus cher).
"La Laitière de Vermeer" a ensuite été vendue aux enchères en 1719, puis a traversé au moins cinq collections d'Amsterdam à l'un des grands collectionneurs d'art néerlandais, Lucretia Johanna van Winter (1785-1845). En 1822, elle épouse la famille Six de collectionneurs, et c'est par l'intermédiaire des héritiers des deux enfants de Lucrèce que le Rijksmuseum en 1908 achète "La Laitière" avec le soutien du gouvernement néerlandais et de la Société Rembrandt.
Contexte, auteur et autres œuvres
La Laitière de Vermeer était une œuvre peinte à une époque de grande richesse et de pouvoir aux Pays-Bas, lorsque le commerce, l'art et la science se développaient au point d'être parmi les plus célèbres au monde. En 1568, les sept provinces qui ont signé l'Union d'Utrecht ont commencé un soulèvement contre Felipe II d'Espagne qui a finalement conduit à la guerre de quatre-vingts ans. Avant que l'Espagne ne récupère les Pays-Bas, l'Angleterre déclare la guerre à l'Espagne et oblige les troupes espagnoles à arrêter leur avance.
La guerre de 80 ans a finalement abouti à la paix de Westphalie en 1648, où l'Espagne et la République unie des Sept Pays-Bas ont signé l'accord de paix. La Compagnie néerlandaise des Indes orientales a établi un monopole néerlandais sur le commerce asiatique qui a prévalu pendant deux siècles. Les Néerlandais dominaient également le commerce entre les pays européens, en 1680, près de 1.000 XNUMX navires néerlandais en moyenne traversaient la mer Baltique chaque année.
En termes de statut social, celui des Pays-Bas était largement déterminé par le revenu. Cela a apporté une nouvelle façon de voir les classes sociales. L'aristocratie avait vendu la plupart de ses privilèges aux villes où régnaient les marchands et leur argent. Le clergé n'avait aucune influence, car l'Église catholique romaine avait été supprimée au début de la guerre de quatre-vingts ans.
Le calvinisme était le mouvement religieux prédominant de l'époque, et il y a des rumeurs liant Vermeer à la foi calviniste, bien qu'il ne soit pas clair s'il est devenu catholique après avoir épousé sa femme.
La vérité est qu'en raison des solides enseignements du calvinisme, les artistes de l'époque n'étaient pas autorisés à représenter le sexe dans leurs peintures. Cependant, Vermeer et d'autres artistes de l'époque ont su contourner la censure en laissant des symboles subtils évoquant la luxure ou la sexualité féminine, et cela se reflète très bien dans la laitière de Vermeer.
Qui est Vermer ?
Johannes Vermeer est né dans une famille de la classe moyenne en octobre 1632, originaire du bourg hollandais de Delft. Son père, nommé Reijnier Jansz, pour un tissage vivant, devient ensuite aubergiste et enfin marchand d'art. Sa mère, Digna Baltus, qui était probablement une femme au foyer, il n'y a pas beaucoup d'informations sur elle.
Education et formation
On pense que l'adolescent Vermeer s'est inscrit comme apprenti peintre auprès de son père au milieu des années 1640, qui était prêt à payer les frais élevés pour assurer à son fils un avenir radieux. En raison d'un manque de preuves empiriques, il est impossible de nommer de qui Vermeer a appris, mais plusieurs historiens suggèrent que l'étudiant vedette de Rembrandt, Carel Fabritius, lui a donné sa première éducation. D'autres pensent que son professeur était le peintre Pieter van Groenewegen, qui est né à Delft et a grandi dans la Guilde de Saint Luc.
En 1653, Vermeer épousa Catharina Bolnes, fille d'une riche famille catholique de Delft. Bien que les deux groupes de parents se soient opposés au mariage en raison de croyances chrétiennes contradictoires, le mariage a eu lieu après la conversion de Vermeer au catholicisme.
Peut-être pour démontrer sa dévotion à sa nouvelle religion et à sa belle-famille, Vermeer a peint le Christ dans la maison de Marthe et Marie (1654-55), sa seule représentation connue d'un récit biblique. Son mariage avec Catherine a permis à Vermeer de gravir considérablement l'échelle sociale, et on pense qu'il a même plus tard réduit les contacts avec sa famille tout en vivant dans la formidable maison de sa belle-mère.
Pendant cette période de son mariage, Vermeer a poursuivi l'héritage de son père et s'est engagé comme maître peintre à la Guilde de Saint-Luc, lui offrant une variété d'événements opportuns, de mécènes et de relations pour faire avancer sa carrière. Ses premières œuvres montrent l'influence de maîtres tels que Rembrandt, le Caravage italien et les peintres d'Utrecht Caravaggisti tels que Gerrit van Honthorst et Dirck van Baburen.
heure de maturité
En 1662, Vermeer devint le chef de la Guilde de Saint-Luc, ce qui signifiait qu'il aurait été en contact étroit avec de nombreux mécènes, artistes et collectionneurs de Delft. Le nouveau poste fait de lui un peintre qui se respecte, bien que les quelques peintures existantes aient conduit de nombreux chercheurs à croire que l'artiste ne produisait qu'environ trois peintures par an.
De plus, la richesse de la famille de sa femme a permis à Vermeer de peindre pour son propre plaisir, plutôt que de subvenir aux besoins de sa famille comme c'était le cas avec la plupart des autres peintres, et il n'a jamais engagé personne comme étudiant ou apprenti.
Le peintre était également connu pour avoir utilisé des pigments coûteux tels que le lapis-lazuli pour la jupe de la laitière et le carmin profond pour la robe de la fille au verre à vin. Alors que certains ont suggéré que le mécène de Vermeer, Pieter van Ruijven, ait acheté et fourni à l'artiste ces ingrédients exclusifs, il n'est peut-être pas surprenant que ce soit à cette époque que le peintre ait commencé à s'endetter.
Temps tardif et mort
L'année 1975 a été celle de la mort de Vermeer, il a laissé tellement de dettes que sa famille ne pouvait pas se permettre une pierre tombale pour lui. Dans l'histoire néerlandaise, l'année 1672 a été appelée "l'année du désastre" en raison de l'invasion de la République néerlandaise par les armées française, allemande et britannique. Cela a conduit à un effondrement économique dramatique pour le pays de la classe moyenne autrefois prospère.
Le marché de l'art s'est effondré et Vermeer pouvait à peine se permettre de subvenir à ses besoins, à ceux de sa femme, de sa mère et de leurs onze enfants. Il s'est de plus en plus endetté, empruntant des milliers de florins et a même été surpris en train de garder l'argent de sa belle-mère.
Plus précisément, Vermeer est décédé le 16 décembre 1675, après être tombé dans une crise de folie et de dépression. Dans les archives judiciaires, sa femme a déclaré:
«… pendant la guerre ruineuse avec la France, il n'a pas seulement été incapable de vendre une de ses œuvres, mais s'est également retrouvé très désavantagé avec des peintures d'autres maîtres qui, par conséquent et en raison du grand fardeau de ses enfants, n'avaient pas ses propres ressources , est tombé dans un tel déclin et une telle dépression, qu'il s'était pris aussi au sérieux que si en un jour et demi il était entré dans une frénésie et était passé de sain d'esprit à mort."
Héritage
En raison d'une grande renommée locale de son vivant, Vermeer a semblé disparaître du monde de l'art jusqu'au XIXe siècle, lorsque des artistes français comme Édouard Manet ; quand il a commencé à retourner son regard vers le réel et sans prétention. Et parce que Vermeer avait été si habile à capturer des moments de beauté ordinaire, il est devenu une telle influence sur ces artistes, qui ont ravivé la conscience de l'œuvre du maître.
Bien que seulement 34 (trois Vermeer les plus controversés) de ses pièces aient survécu, Vermeer est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands artistes de l'âge d'or hollandais. Au XXe siècle, le surréaliste Salvador Dalí est fasciné par l'œuvre de Vermeer et produit ses propres variations, dont Delft Ghost de Vermeer, qui peut servir de table en 1934, et La Dentellière (d'après Vermeer) en 1955.
D'autres artistes, comme le peintre danois Vilhelm Hammershoi, ont adapté les intérieurs paisibles de Vermeer à leurs propres thèmes des XIXe et XXe siècles. Hammershoi a modernisé Woman in Blue en lisant une lettre de Vermeer, en inversant l'image et en atténuant la palette de couleurs de sorte qu'il semble presque que le public regarde une vieille photo d'un salon danois.
Parmi de nombreuses toiles sublimes de Vermeer, la jeune fille à la perle est considérée comme la "Mona Lisa du Nord". Son réalisme étonnant et son ambiguïté émotionnelle ont inspiré des artistes, des écrivains et des cinéastes pendant des décennies. Plus récemment, le graffeur britannique anonyme Banksy a réinterprété et reproduit la peinture sur un immeuble à Bristol, au Royaume-Uni. Une alarme antivol a été utilisée à la place de la légendaire boucle d'oreille en perle.
Réalisations Vermeer
Cet artiste s'est spécialisé dans les scènes de la vie domestique, un genre qui a contribué à propulser le lexique baroque. Beaucoup de ses peintures contiennent les mêmes meubles ou motifs qu'il vivait dans son propre studio privé, et ses modèles étaient souvent des femmes qu'il connaissait ou des parents de mécènes.
Vermeer a également reçu à titre posthume le titre de "Maître de la lumière" en raison de l'attention sensible qu'il accordait à exprimer comment la lumière jouait avec la peau, le tissu et les pierres précieuses dans son travail. Son expertise découle de son utilisation des techniques de la Renaissance telles que le clair-obscur, mélangées à sa propre utilisation distinctive de la lumière, de l'ombre et de la couleur pour évoquer la texture, la profondeur et l'émotion.
Les couleurs et les pigments étaient d'un grand intérêt pour Vermeer et il était connu pour sa combinaison exquise de teintes éthérées. Son mécène, Pieter van Rujiven, aurait acheté et fourni à l'artiste des ingrédients coûteux tels que le lapis-lazuli et le carmin pour ces efforts. Sans surprise, c'est à cette époque que le peintre commence à s'endetter, compulsif qu'il était avec ses précieux matériaux.
Vermeer était un peintre au succès modeste de son vivant, mais aujourd'hui, seuls 34 tableaux lui sont attribués (d'autres sont discutables), ce qui signifie la gestion semi-imprudente de l'artiste de sa carrière, qui finira par le laisser, lui et sa famille, endettés et désespérés.
Étant donné que l'incertitude économique, la folie et la dépression ont renforcé la vie de l'artiste, on a supposé que l'idylle tranquille que Vermeer était connu pour représenter en peinture reflétait un monde dans lequel il aurait lui-même voulu vivre.
Autres oeuvres de Vermeer
Parmi les oeuvres du peintre hollandais Vermeer que l'on peut admirer et observer à la disposition du public, on peut citer :
- Christ dans la maison de Marthe et Marie de 1654 à 1656
- Le procureur de 1656
- L'officier et la fille qui rit de 1657 à 1660
- La fille au verre de vin, 1659
- La vue de Delft de 1660-1661
- Femme en bleu lisant une lettre de 1662-1663
- La leçon de musique ou une dame aux virginales avec un gentilhomme 1662-1665
- La jeune fille à la perle, 1665
- La Dame et la Pucelle de 1667
- L'astronome de 1668
- Dame assise au virginal, 1672
- L'allégorie de la foi de 1670-1674
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