Œuvre d'art considérée par l'humanité comme universelle, c'est l'une des plus grandes œuvres de son créateur français, Delacroix. Il représente les idéaux rebelles et rénovateurs du peuple pendant la Révolution de Juillet à travers les yeux et les coups de pinceau d'un grand artiste. Tout savoir sur Liberté guidant le peuple !
La liberté menant le peuple
La Liberté guidant le peuple, est le titre d'une peinture à l'huile de 1830 d'Eugène Delacroix, qui avec son travail artistique rendait hommage aux protagonistes de la Révolution de Juillet à Paris. Un événement d'une grande importance historique, qui provoqua la destitution du roi Bourbon Charles X et l'accession au trône d'un autre monarque.
La scène héroïque de la rébellion a d'abord rencontré des critiques mitigées, mais est finalement devenue l'un des tableaux les plus populaires de Delacroix, emblème de la Révolution de Juillet et révolte justifiée en quête de liberté et d'une meilleure qualité de vie. .
L'histoire entourant l'œuvre : La révolution de 1830
Delacroix a commencé à peindre La Liberté guidant le peuple après avoir été témoin de la violente escalade des manifestations dans la ville, se rebellant contre un ensemble d'ordonnances restrictives que le monarque de l'époque, Charles X, a émises le 26 juillet 1830.
Pendant trois jours, appelés plus tard les Trois Glorieuses entre le 27 et le 29 juillet, des citoyens ouvriers et bourgeois ont barricadé les rues de Paris et ont affronté l'armée royale, pour leurs droits. Incapable de contenir l'insurrection généralisée, le roi Charles X abdiqua bientôt et Louis-Philippe (Louis Philippe), le soi-disant Roi Citoyen, monta sur le trône et créa une monarchie constitutionnelle.
Certains historiens indiquent que Delacroix dépendait des commissions royales, c'est-à-dire des contributions de Carlos X, ce qui l'empêchait de participer directement à la rébellion. Delacroix était admiré par Charles X, qui acheta Le Massacre de Chios et la Mort de Charles le Téméraire. Parmi les amis de l'artiste figuraient la duchesse de Berry et la famille d'Orléans, gens de classe aisée.
Il aimait attirer l'attention dans les cercles du pouvoir et marquer l'opinion publique, mais il était considéré à cette époque comme le chef de file du mouvement romantique et il était passionné par la liberté.
Il n'a pas pu s'empêcher d'être ému lorsqu'il a vu des insurgés hisser le drapeau national français, connu sous le nom de Tricolore, à Notre-Dame, un point de repère pendant la rébellion. Son émotion durant les Trois Glorieuses fut sincère, la captant magistralement pour la gloire et l'immortalité des nobles, beaux, braves et grands citoyens de son pays.
Delacroix a achevé La Liberté guidant le peuple en quatre-vingt-dix jours et elle a été exposée aux côtés d'autres œuvres inspirées par la révolution au Salon de 1831, une exposition d'art français qui se tient chaque année au Louvre.
À cette occasion, l'œuvre de Delacroix s'est démarquée parmi les autres, car son style caractéristique qui allie réalisme et idéalisme à une manière expressive de peindre, a représenté la scène d'une manière très moderne, contrastant immédiatement avec les concurrents. À l'époque, les critiques et les téléspectateurs étaient divisés quant à savoir si La Liberté guidant le peuple était une peinture à l'air héroïque ou plutôt désagréable.
Je me suis lancé dans un sujet moderne, une barricade, et bien que je n'aie pas combattu pour mon pays, au moins j'aurai peint pour lui. Cela m'a redonné le moral. (Eugène Delacroix, dans une lettre du 28 octobre à son frère).
Après sa création
Après l'accession au trône de Louis-Philippe, l'œuvre est cachée au public durant son règne et n'entre au Musée du Luxembourg qu'en 1863 et au Louvre en 1874.
Liberty Leading the People a été acheté par le gouvernement et brièvement montré au musée du Luxembourg à Paris, alors un lieu qui exposait des œuvres d'artistes encore vivants, cependant, l'œuvre n'a pas séduit les téléspectateurs et a rapidement perdu sa popularité. du nouveau gouvernement, qui l'a retiré.
Le tableau passa les années suivantes en dépôt puis fut restitué à l'artiste avant d'être récupéré par le directeur des musées nationaux et d'être à nouveau exposé au Luxembourg. En 1874, La Liberté guidant le peuple fut finalement transférée au Louvre, où elle devint finalement l'une des œuvres les plus populaires de Delacroix.
Aujourd'hui, La Liberté guidant le peuple est considérée comme une œuvre universelle, emblème de la fougue romantique et de l'enthousiasme révolutionnaire, héritière de la peinture historique du XVIIIe siècle et précurseur du Guernica de Picasso au XXe. Nous avons pu l'apprécier de nos jours, inspirant la couverture de nombreux magazines et dans l'album de 2008 du groupe de rock britannique Coldplay, intitulé Viva La Vida.
Vandalisme au Louvre-Lens
Alors qu'il était prêté au Louvre-Lens, une extension du Louvre dans le nord de la France, en 2013, le tableau a été vandalisé.
Une femme aurait utilisé un marqueur pour écrire AE911, un chiffre associé à une théorie du complot du 11 septembre.
Les initiales étaient visibles près du bas de la toile, qui a ensuite été entièrement restaurée par des restaurateurs.
Description du travail
Dans la peinture à l'huile de 2.6 × 3.25 mètres, vous pouvez voir une figure féminine qui a révélé une partie de son torse sans vêtements et qui était au centre de la peinture, suivie d'une multitude de révolutionnaires qui ont laissé voir leur décision. Cette femme est la personnification de la liberté, un symbole classique fréquemment utilisé dans l'art.
Ses vêtements de couleur jaunâtre se retroussent autour de son corps, à peine attachés par une corde rouge, sa forme rappelle les robes des sculptures grecques, héroïques et majestueuses. La comparaison la plus précise est avec la Victoire ailée de Samothrace (Níke tes Samothrákes), une pièce d'origine inconnue dont on estime qu'elle a été créée en 190 av.
De plus, il porte un bonnet phrygien rougeâtre, sorte de cagoule ou bonnet de forme conique ressemblant à un bas, utilisé par la classe ouvrière et très en vogue pendant la Révolution française entre 1787 et 1799. C'était un emblème de liberté, qui a son origine en Asie Mineure et en Europe de l'Est, bien avant la Révolution française.
Sa modernité est renforcée par le drapeau tricolore qu'il hisse au-dessus de sa tête et le mousquet à baïonnette qu'il tient dans son autre main. Cependant, certains critiques ont trouvé que sa peau crasseuse et ses prétendus poils sous les aisselles étaient trop humains pour un idéal incarné.
Les combattants sont aussi des figures réalistes idéalisées, représentant les différents types de personnes qui ont participé à la révolution. Par exemple, à gauche, vous pouvez voir un bourgeois vêtu du chapeau haut de forme habituel, cravate et manteau noir, armé d'un fusil de chasse.
Un peu plus en retrait un artisan ou ouvrier avec sa chemise de travail, son tablier et sa culotte de marin, tient un sabre à la main.
Un personnage plus jeune à droite, coiffé d'un béret d'étudiant en velours noir de style bonapartiste de l'époque, brandit un pistolet dans chaque main, avec derrière lui un détachement de grenadiers en habit gris et tenue de campagne.
Libertad surmonte une barricade de pavés et de figures humaines tombées, tandis qu'un combattant au visage fatigué la regarde avec espoir.
Un homme en chemise de nuit blanche en lambeaux, nu de la taille aux pieds, se trouve dans le coin inférieur gauche, donnant l'impression qu'il a été battu et laissé là, est une référence mythique, dérivée d'un modèle nu classique connu sous le nom d'Hector, personnification du Héros homérique.
Un membre de l'armée royale, reconnaissable à sa tenue vestimentaire, gît dans l'autre coin. à droite de la scène. Il porte un uniforme de campagne contemporain, un manteau gris-bleu avec une décoration rouge sur le col, des leggings blancs, des chaussures plates et un shako. Les deux personnages allongés au sol occupent le premier plan à la base de la structure pyramidale.
Bien que l'arrière-plan droit du tableau présente un paysage urbain en arrière-plan, il semble vide et distant par rapport à la bataille qu'il a organisée sur le côté gauche de la scène. Les tours de Notre-Dame représentent la liberté et le romantisme, plaçant l'action à Paris.
La localisation de la Seine est inexacte et les maisons font partie des éléments imaginaires ajoutés par le peintre. La lueur du coucher de soleil mélangée à la fumée entoure les personnages, éclairant toutes les images baroques, brillant dans le bon sens autour de la figure féminine et du drapeau tricolore.
En arrière-plan, la cathédrale Notre-Dame s'élève à travers un dégagement de fumée, où la tour sud obscurcit presque sa compagne et un tricolore à peine perceptible apparaît sur son toit. La cathédrale est la seule structure réelle que Delacroix inclue dans un ensemble de corps humains, mais il atténue le chaos de la scène en utilisant une composition pyramidale et des couleurs sobres et sourdes.
Les couleurs ont été habilement utilisées, le bleu, le blanc et le rouge s'opposent dans des tons de gris, par exemple, la chemise du cadavre à gauche, la veste du cadavre à droite et bien sûr le drapeau. La peinture historique et politique de Delacroix, mélange d'actualité et de fiction, de réalité et d'allégorie, témoigne de l'agonie de l'Ancien Régime.
Cette œuvre réaliste et novatrice est considérée comme le symbole de la Liberté et de la révolution picturale, qui eut initialement des détracteurs, habitués à des représentations plus classiques de la réalité.
Eugène Delacroix, l'auteur de la pièce
Ferdinand-Eugène-Victor Delacroix, connu dans le monde de l'art simplement sous le nom d'Eugène Delacroix, est né le 26 avril 1798 à Charenton-Saint-Maurice, en France.
Il était considéré comme le plus grand peintre romantique français, dont l'utilisation de la couleur a influencé le développement de la peinture impressionniste et postimpressionniste. Son inspiration provenait principalement d'événements historiques ou contemporains ou de la littérature, cependant, des visites dans des lieux exotiques comme le Maroc lui ont permis d'élargir ses thèmes et ses motifs d'inspiration.
Enfance et jeunesse
Delacroix était le quatrième fils de Victoire Oeben, une descendante de la famille Oeben-Riesener, qui avait créé des meubles pour le roi et la cour de France aux XVIIe et XVIIIe siècles, et de Charles Delacroix, un fonctionnaire du gouvernement qui était ambassadeur aux Pays-Bas. en 1798 et qui mourut en 1805 comme Préfet de Bordeaux.
Cependant, certaines histoires suggèrent que son vrai père serait l'homme d'État Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord, peut-être parce qu'ils ont une certaine ressemblance physique ou parce que le peintre bénéficiait d'un mécénat constant et important de la part du gouvernement français, malgré le caractère anticonformiste marqué. de son œuvre.
Quelle que soit la vérité sur sa filiation, l'enfance de Delacroix s'est déroulée sans incident et il aura toujours une grande affection et admiration pour son père, Charles Delacroix. Jusqu'à l'âge de dix-sept ans, il poursuit des études classiques, développant également un goût passionné pour la musique et le théâtre, chose commune au sein de sa famille distinguée et artistique.
En 1815, il devient l'élève d'un peintre académique de renom, le baron Pierre-Narcisse Guérin. Il rencontre également le peintre d'histoire Antoine-Jean Gros et fréquente dans sa jeunesse le salon du peintre et réaliste baron François Gérard. Vers 1822, il reçoit l'appui d'Adolphe Thiers, homme d'État et historien, qui, en tant que ministre de l'Intérieur dans les années 1830, confie à Delacroix la charge de la décoration architecturale.
Delacroix a été influencé par le romantisme du peintre Théodore Géricault et d'amis tels que le peintre anglais Richard Parkes Bonington, le compositeur et pianiste polonais Frédéric Chopin et l'écrivain français George Sand. Cependant, il ne fait pas partie des différentes batailles menées par le mouvement romantique, mené par Víctor Hugo et Héctor Berlioz, entre autres.
Âge mûr
Le peintre fait ses débuts au Salon de Paris de 1822, où il expose son premier chef-d'œuvre, la célèbre Barque de Dante, œuvre qui bouleverse la peinture romantique française du XIXe siècle et son évolution.
La barque de Dante est une huile sur toile, réalisée en 1822 et inspirée de la Divine Comédie de Dante. Son sentiment tragique et le modelé puissant des personnages rappellent Michel-Ange et sa riche couleur montre l'influence marquée de Peter Paul Rubens.
L'artiste Théodore Géricault, l'un des pionniers du romantisme et le meilleur ami du jeune peintre jusqu'à sa mort subite en 1824, était également important parmi les contemporains de Delacroix. Les sujets choisis plus tard par Delacroix ont démontré son affinité avec Lord Byron et d'autres poètes romantiques de l'époque et pour le œuvres de Dante, de William Shakespeare et d'histoire médiévale.
En 1824, cependant, il expose un sujet entièrement nouveau Le Massacre de Chios, une grande toile représentant le massacre dramatique contemporain des Grecs par les Turcs sur l'île de Chios. Il a une fois de plus démontré son talent dans cette œuvre, évidente dans l'unité qu'il a réalisée dans son expression de la fierté hautaine des conquérants, de l'horreur et du désespoir des Grecs innocents et de la splendeur d'un ciel immense.
Delacroix s'était déjà intéressé à la technique délicate de ses amis peintres anglais Richard Parkes Bonington et des frères Fielding, sans oublier la technique utilisée dans les paysages de John Constable, qui furent exposés à Paris en 1824, qui selon certains historiens et critiques inspiré d'une certaine manière la toile du Massacre de Chios, avec ses tons lumineux.
Le peintre complète sa formation technique et culturelle à Londres, ville où il voyage en 1825. Il y entretient des contacts avec JMW Turner, Constable et Sir Thomas Lawrence, lui permettant d'acquérir une grande liberté et souplesse dans sa technique, chose qu'il avait longtemps recherché et admiré d'autres grands artistes.
Entre 1827 et 1832, Eugène Delacroix réalise coup sur coup plusieurs chefs-d'œuvre, peut-être au premier rang desquels La Mort de Sardanapale en 1827, thème quelque peu incohérent où les différents éléments que sont les femmes, les esclaves, les animaux, les bijoux et les riches étoffes se mêlent en un sensuel. et scène violente. Parmi ses meilleurs tableaux on peut citer :
- L'exécution du Doge Marino Faliero (1826-27)
- La bataille de Poitiers (1830)
- La bataille de Nancy (1831)
- Bataille de Giaour et Pacha (1827)
Comme son ami Géricault, Delacroix explore plus tard la lithographie, une technique nouvellement inventée, produisant un ensemble de 17 lithographies vers 1827, illustrant une édition française du Faust de Johann Wolfgang von Goethe.
C'est vers 1830 que cet artiste hors pair peint La Liberté guidant le peuple, pour commémorer la Révolution de Juillet qui réussit à faire monter Louis Philippe le Citoyen Roi sur le trône de France. Cette grande œuvre allie fiction et réalisme, de manière réussie et splendide, à tel point qu'elle est considérée comme la plus populaire de toutes les peintures de Delacroix.
La forme et la technique relativement sobres de ce tableau, par rapport aux productions antérieures, reflètent également un changement dans le style de Delacroix, devenant un peu plus serein, mais conservant les éléments d'animation et de grandeur. De janvier à juillet 1832, Delacroix parcourt l'Algérie, l'Espagne et le Maroc avec le comte de Mornay, choisi comme représentant diplomatique du roi Louis-Philippe auprès du sultan.
Ce voyage au Maroc s'avère être une aventure révélatrice pour l'artiste, qui retrouve dans la ville, ses habitants et son mode de vie, la noblesse et la beauté homériques qu'il n'a jamais observées dans le néoclassicisme académique français lui-même. Les vues de paysages luxuriants, la nature exotique, la beauté des chevaux, les gens et leurs costumes fluides et curieux, seront désormais l'inspiration de sa mémoire visuelle.
Delacroix a fait de nombreux croquis et notes au cours de ce voyage et les a utilisés à bon escient à son retour à Paris. On peut affirmer qu'après son passage au Maroc, son maniement du dessin et de la peinture était beaucoup plus libre et l'usage de la couleur encore plus somptueux.
Les premiers fruits de l'influence marocaine dans son art se voient dans Femmes d'Alger dans leur appartement réalisé en 1834. Oeuvre dans laquelle trois femmes arabes somptueusement vêtues et leur entourage sont présentés, réalisés dans une exquise harmonie de couleurs chaudes.
On trouve également d'autres œuvres qui montrent l'influence de ses expériences en Afrique du Nord, notamment Fanatiques à Tanger de 1838 et Mariage juif au Maroc de 1839. L'artiste a continué à peindre des sujets à forte influence arabe presque jusqu'à la fin de sa vie.
Dans la dernière partie de sa carrière, Delacroix reçoit une série de commandes importantes qui consistent principalement à décorer des édifices gouvernementaux. La première dura entre 1833 et 1836, et consista à réaliser un groupe de peintures murales pour le Salon du Roi au Palais Bourbon. Il a ensuite reçu un certain nombre d'autres commandes, notamment:
- Le plafond de la Bibliothèque du Palais Bourbon entre 1838 et 1847.
- La Bibliothèque du Palais du Luxembourg entre 1840 et 1847.
- Le plafond de la Galerie d'Apollon au Louvre en 1850.
- La Salle de la Paix de l'Hôtel de Ville, 1849-1853.
- La chapelle des Saints-Anges de l'église Saint-Sulpice, 1849-1861.
Ses peintures murales représentent le dernier grand effort de ce genre, dans la tradition des plafonniers baroques. Durant cette période, Delacroix peint également plusieurs toiles sur la plus grande échelle de sa carrière, notamment deux pour le musée d'histoire de Versailles : La bataille de Taillebourg (1837) et Entrée des croisés à Constantinople (1840). Parmi ses peintures ultérieures figurent certaines sur des thèmes arabes, religieux, classiques et diverses scènes d'animaux sauvages et de chasses, par exemple, La chasse au lion de 1861.
En outre, il réalisa plusieurs autoportraits notables au cours de sa longue carrière et réalisa occasionnellement des portraits d'amis tels que Chopin et Sand, tous deux réalisés vers 1838.
Delacroix est décédé le 13 août 1863 à Paris. L'artiste a laissé plus de six mille dessins, aquarelles et estampes à vendre. Ses journaux comptent parmi les carnets d'artistes les plus admirés, les plus complets et les plus célèbres depuis ceux de Léonard de Vinci.
Hubert Wellington a publié une édition anglaise de ces journaux avec du matériel sélectionné en 1951, connue sous le nom de The Journal of Eugène Delacroix. Delacroix a été décrit comme le pionnier des techniques audacieuses et innovantes, qui ont contribué de manière significative au développement de l'impressionnisme et des mouvements modernistes ultérieurs.
La manière décontractée d'exprimer l'énergie et le mouvement dans ses œuvres, sa fascination pour la violence, la destruction et les aspects les plus tragiques de la vie, ainsi que des aspects tels que la sensualité, la vertu et la couleur font de lui l'un des plus fascinants et complexes du XIXe siècle.
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