La Nature morte, également connu sous le nom de Still Life est un type de peinture qui se caractérise par la représentation intéressante d'objets inanimés, tels que : aliments, fleurs, plantes, etc., dans un espace donné. Si vous voulez en savoir un peu plus sur ce merveilleux genre pictural, restez et profitez du contenu que nous avons fait spécialement pour vous !
Qu'est-ce que la nature morte?
Le terme nature morte est attribué à un courant artistique chargé de dépeindre la manière dont les différents éléments présents dans la réalité sont perçus, mais avec un certain accent sur les choses qui se réfèrent à notre quotidien, en approfondissant l'interprétation et la dynamique des sens de l'environnement du point de vue de l'auteur.
De même, la nature morte, comme on l'appelle aussi, pourrait essentiellement être définie comme une composition picturale ou photographique, dans laquelle des objets inanimés sont représentés, notamment des aliments et des ustensiles ménagers, tels que : fruits, légumes, vaisselle, aliments, etc. Habituellement, ces objets sont placés sur une table.
Aussi, mais moins fréquemment, ils se reflètent dans les œuvres : instruments de musique, animaux morts, plantes, rochers, livres, bijoux, entre autres. Cette branche de la peinture utilise généralement le dessin, le chromatisme et l'éclairage afin de produire un effet d'extrême sérénité, d'harmonie et de bien-être.
On lui attribue souvent le titre de l'un des genres les plus connus de l'histoire de l'art et celui qui donne à ses artistes la plus grande liberté de création. Ses origines remontent à l'Antiquité, bien avant les années 1700, où les sujets sont légèrement différents de ceux d'aujourd'hui.
Au début, cette classe de peintures traitait de thèmes plus religieux avec une symbolique liée aux objets représentés. Au fil du temps, les techniques et les thèmes ont évolué avec des natures mortes modernistes qui ont brisé toutes sortes de barrières dimensionnelles et ont utilisé la photographie et la technologie.
Certains contenaient même divers documents audiovisuels. Cependant, après les changements imposés par ses praticiens, son essence reste la même. Sa popularité a été impressionnante au cours de différentes périodes, cultures et mouvements, y compris les talentueux Pablo Picasso et Paul Cézanne comme certains de ses représentants.
Histoire de nature morte
Pour en savoir plus sur l'origine de Still Life, il est extrêmement important de rappeler son histoire, qui pourrait être divisée en plusieurs étapes. Ce sont les suivants :
Art ancien
Plusieurs traces permettent d'affirmer que les premières natures mortes découvertes dans l'histoire de l'humanité remontent au milieu du XVe siècle av. J.-C., dans l'Égypte ancienne. Celles-ci consistaient essentiellement en une façon de décorer l'intérieur de leurs tombes, car on croyait que ces peintures seraient emmenées dans l'au-delà.
En d'autres termes, les Égyptiens croyaient que chacun des objets liés à la nourriture et à la vie domestique pouvait être transporté de l'autre côté, afin que le défunt puisse s'en servir. La nature morte la plus célèbre de la culture égyptienne a été trouvée dans la tombe du scribe Menna.
Dans cet endroit, tous les murs étaient parfaitement ornés de nombreux détails de leur vie quotidienne. De leur côté, les anciens Grecs étaient également chargés de démontrer leur extraordinaire habileté avec des peintures sur des jarres et des représentations d'objets et d'animaux communs dans leur société.
En plus de cela, d'autres natures mortes similaires, un peu plus simples et avec une perspective réaliste, ont été trouvées dans des peintures murales de la Rome antique et dans des mosaïques et des fresques du XNUMXer siècle à Pompéi, Herculanum et la Villa Boscoreale, comme "Nature morte avec un bol en verre de fruits et de vases », pour donner un exemple.
Ils étaient principalement utilisés comme une sorte de décoration et, aussi, comme un moyen de capturer dans les mosaïques le mode de vie qu'ils menaient en termes de coutumes et de traditions. De même, ils fonctionnaient également comme un double signe d'inhospitalité et de célébration de la vie.
Ces mosaïques décoratives étaient appelées emblèmes et se trouvaient généralement dans les maisons des Romains de la haute société. Les classes supérieures cherchaient à démontrer au prolétariat et à la postérité la variété des aliments qu'elles appréciaient sur leurs tables jour après jour.
Peu à peu, à partir du XVIe siècle, les fleurs et la nourriture deviennent la représentation claire des saisons de l'année et des cinq sens de l'être humain. D'autre part, les crânes ont commencé à être utilisés dans les œuvres pour symboliser la mortalité et l'éphémère.
Il était assez courant que les crânes des natures mortes soient accompagnés de l'inscription «Omnia mors aequat», qui se traduit en espagnol par «La mort est égale à tout le monde». Ce type d'art s'appelait "Vanitas", qui eut un rôle plus important avec l'arrivée de la peinture baroque et des peintres d'origine hollandaise.
En soi, l'appréciation populaire du réalisme dans le genre est liée à une légende grecque sur Zeuxis et Parrhasius, deux hommes artistes qui ont concouru toute leur vie pour voir qui était le plus capable de créer des objets qui ressemblent à la réalité, étant Ils font partie de la descriptions les plus anciennes de la technique du trompe l'œil.
Moyen-Age
Au début du XIVe siècle, au Moyen Âge, la Nature morte réussit à ressusciter dans des peintures à thèmes religieux, mais comme des objets du quotidien qui servaient à accompagner les protagonistes. Ils ont été pris en compte comme un moyen de décorer les scènes représentées.
Ce type de représentation picturale était considéré comme mineur jusqu'à l'arrivée de la Renaissance, car il était généralement subordonné à d'autres genres, comme les portraits ou la peinture religieuse elle-même, ce qui l'amenait à être fréquemment associé à des sujets religieux et allégoriques.
Un tel point pouvait être observé beaucoup dans les œuvres d'artistes d'Europe du Nord, dont le charme pour un symbolisme et un réalisme optimaux était assez détaillé, faisant que le message général de chacune de leurs peintures commençait à être prodigué avec une attention extraordinaire.
Ainsi, la nature morte est devenue une alternative pour capturer le symbolisme dans les peintures. En effet, le développement de la technique de la peinture à l'huile a contribué à donner à ces objets un réalisme supérieur. En effet, l'huile avait un séchage plus lent qui lui permettait d'être travaillée en couches.
En même temps, cela donne à l'artiste la possibilité de mélanger et d'assortir autant de couleurs qu'il le souhaite. Parmi ses principaux promoteurs, on peut citer le peintre flamand Jan van Eyck, qui utilisait* différents éléments de la nature morte dans le cadre de ce qu'il appelait son programme iconographique.
Un autre peintre flamand important tel que Petrus Christus, a peint en 1449 un portrait de mariés visitant un orfèvre intitulé "Un orfèvre dans son atelier", l'exemple le plus clair de ce que l'on appelle une nature morte de transition, puisqu'il représente à la fois une religion et fondation laïque.
Bien que leur message puisse être considéré comme essentiellement allégorique, les figures du jeune couple sont tout à fait réalistes. De plus, les objets observés, c'est-à-dire le reste de la scène, sont décrits de manière assez détaillée, sauf qu'il s'agit en fait d'une représentation du joaillier en saint Éloi et de quelques objets symboliques.
Pour le Moyen Âge, les représentations de natures mortes dans les peintures traditionnelles sont passées au second plan, puisqu'elles ont commencé à se refléter dans des portes à but purement décoratif. De la même manière, une autre étape vers leur autonomie a été qu'ils ont commencé à peindre des vases avec des fleurs ou avec un contenu héraldique et symbolique.
En plus de cela, un grand nombre de peintres ont utilisé la nature morte comme méthode de décoration des manuscrits illustrés. Des pièces de monnaie, des coquillages et des boisseaux de fruits se trouvent tous sur les bords de ces livres. Un exemple serait le texte élaboré du XVe siècle "Le livre d'heures de Catherine de Clèves".
Renaissance
Il ne fait aucun doute qu'avec l'arrivée de la Renaissance, l'art a subi un changement radical par rapport à ce qui s'était fait dans les périodes précédentes. Malgré le fait que la nature morte était considérée comme un style inférieur par rapport à l'allégorie ou au portrait, on décida à cette époque de rompre toute relation avec le symbolique et le religieux.
L'un des premiers à s'être libéré du joug religieux en matière d'art fut le célèbre mathématicien florentin Léonard de Vinci, qui sera plus tard chargé d'examiner en profondeur la nature et de la capturer sur toile avec la technique qu'il a lui-même créée, la aquarelle.
A cela s'ajoute l'artiste allemand Alberto Dürer, dont la contribution a également été de réaliser des dessins et des peintures détaillés sur la flore et la faune. L'Italien Jacopo de'Barbari s'est chargé d'aller plus loin avec son œuvre « Nature morte avec perdrix, gantelets et flèches d'arbalète ».
Le tableau du Vénitien est connu comme l'une des premières natures mortes en trompe l'œil signées et datées avec un contenu religieux réduit au minimum possible. D'où la croyance qu'au XVIe siècle, il y eut une explosion d'intérêt pour le monde naturel.
De même, il y a eu une augmentation significative de la création d'encyclopédies botaniques luxueuses qui compilaient la documentation des découvertes du Nouveau Monde. De même, il y avait une plus grande impulsion dans le début de l'illustration scientifique et dans la classification des espèces.
Même plusieurs siècles plus tard, elle est toujours considérée comme une époque d'exploration totale de la nature, ce qui a conduit à l'exprimer de la même manière dans la peinture. Les différentes études menées peu à peu servent de modèle à la recherche du réalisme dans l'art.
Avec l'arrivée de ce mouvement artistique, les artistes ont conçu les objets naturels de notre environnement comme des éléments d'étude individuels, les séparant de tout lien mythologique ou religieux. En plus de cela, la science primitive des remèdes à base de plantes a été considérée comme une nouvelle extension pratique des connaissances.
Pour financer les collections d'espèces animales et minérales, les nobles et bourgeois européens ont commencé la création de meubles simples dans lesquels ils ont exposé des objets exotiques et intéressants du monde entier. Celles-ci étaient appelées "Cabinets de curiosités" ou "Wonder Rooms".
À la suite de leur développement, les artistes les ont utilisés pour s'inspirer et rechercher le réalisme et l'innovation dont ils avaient besoin. Dans les résidences de ces mécènes de la haute société, des fruits rares, des fleurs, des plantes, des coquillages et des insectes étaient collectés et échangés pour les habitants.
Un exemple de cela pourrait être la tulipe, une fleur largement utilisée dans les natures mortes, c'est pourquoi on pense qu'elles sont originaires des Pays-Bas. Cependant, ce n'est pas le cas, la Turquie est le pays d'où ils viennent et dans lequel ils sont un véritable symbole national.
La science de l'horticulture connut une explosion culturelle impressionnante qui suscita tout l'intérêt du continent européen. Cette tendance naissante, les peintres les plus intelligents ont réussi à la capitaliser en produisant des centaines de milliers de natures mortes. Il convient de noter qu'en fonction de certaines régions ou tribunaux, il y avait des intérêts particuliers.
La puissante et influente famille florentine des Médicis avait une passion assez caractéristique pour la représentation des agrumes. En raison de la diffusion impressionnante de spécimens naturels et de l'intérêt croissant pour leur illustration dans toute l'Europe, la création de natures mortes modernes a eu lieu dans les années 1600.
Dans la seconde moitié du XVIe siècle, la nature morte connut une nouvelle évolution et fut qualifiée d'autonome. Peu à peu, le contenu religieux a diminué dans les peintures, à la fois en taille et en emplacement. Seules les leçons de morale restaient implicites dans les pièces.
Pour l'illustrer, nous pourrions nommer "The Well Stocked Kitchen" (1566) du peintre flamand Joachim Beuckelaer, car il a une représentation réaliste des viandes crues qui dominent au premier plan, tandis que la scène à l'arrière-plan est chargée de transmettre les dangers de l'ivresse et l'obscénité.
Un autre serait le tableau d'Annibale Carracci "Le traitement" (1583) qui aborde le même thème, mais commence à supprimer les messages moraux, tout comme les différentes natures mortes "cuisine et marché" qui ont été créées au fil des années de cette période.
L'iconographie des natures mortes aux nombreuses fleurs a également été popularisée par les artistes nordiques. Traditionnellement, les pièces sont présentées avec des plantes très colorées, originaires de diverses nations et continents, toutes dans le même vase et en un seul moment de floraison.
Il était assez courant qu'ils n'incluent pas d'autres protagonistes. Son apogée se situe au début du XVIIe siècle, au moment précis où les peintres nordiques s'intéressent encore plus au développement de multiples études réalistes avec des objets de la vie quotidienne dans les sociétés européennes.
Dans ce qu'on appelle l'âge d'or, les différents artistes hollandais de l'époque ont porté leur fascination pour l'art floral détaillé à un niveau supérieur avec des peintures "Vanitas". Celles-ci sont inspirées de la locution latine "Memento mori", un genre pictural dont le nom en espagnol se traduirait par "Souviens-toi que tu mourras".
Comme pour les représentations memento mori, dans ce type de pièces, on a tendance à associer des fleurs à divers objets : crânes humains, bougies, sabliers, etc. Ces derniers étaient presque toujours rendus à l'envers, pour faire référence à un commentaire sur le caractère éphémère de la vie.
Cependant, contrairement à l'art du memento mori, les peintures de vanité étaient chargées d'inclure d'autres symboles supplémentaires, tels que : les instruments de musique, les bouteilles de vin et les livres, qui servent à nous rappeler explicitement la vanité des plaisirs et des biens mondains. .
XNUMXe siècle
Malgré le fait que la nature morte ait acquis une grande popularité parmi les différents groupes sociaux qui composaient l'Europe du XVIIe siècle, à cette époque, le respect accordé aux peintures représentant des événements historiques, religieux et mythiques ne pouvait en aucun cas être égalé.
Au début de ce siècle, des universitaires renommés, comme l'Italien Andrea Sacchi, ont clairement indiqué que la scène de genre et la nature morte n'apportent pas le sérieux qui fait de la peinture quelque chose de grand et de transcendantal. Dans le même temps, des artistes italiens assez réussis ont trouvé un mécénat important pour leur époque.
Malgré cela, les peintres, bien qu'ils soient très peu nombreux, ont généralement choisi ou ont été contraints de peindre des thèmes de nature morte, comme ce fut le cas, par exemple, avec le baroque Fede Galizia, Laura Bernasconi et Giovanna Garzoni. Divers autres artistes italiens qui excellaient dans différents genres ont également réalisé quelques natures mortes.
Plus précisément, Caravage a été l'un des précurseurs dans la représentation de natures mortes avec une certaine conscience du travail pictural, c'est-à-dire qu'il a travaillé sur des natures mortes en conjonction avec son style naturaliste influent. Son meilleur travail, un exemple clair de pure nature morte est "Fruit Basket" (1599), car il est présenté avec sa plus grande précision et un emplacement à hauteur des yeux.
Ce tableau a appartenu au cardinal Carlos Borromeo jusqu'à sa mort, ce qui a longtemps été apprécié pour des raisons à la fois esthétiques et religieuses. Le peintre flamand Jan Brueghel l'Ancien a également peint son tableau "Grand bouquet milanais" (1606) pour le cardinal, indiquant que la peinture a été entièrement réalisée d'après nature.
Ces deux faisaient partie de la vaste collection de natures mortes du cardinal, ainsi que de sa collection de curiosités. Au sein du vaste groupe de natures mortes italiennes, se distingue « Le cuisinier » de Bernardo Strozzi, une scène de cuisine très bien exécutée à la manière hollandaise.
D'une part, l'œuvre représente un portrait détaillé d'un jeune cuisinier et, d'autre part, la représentation du gibier à plumes qui va être préparé. De même, l'une des rares natures mortes de Rembrandt, "Nature morte aux paons", a combiné un portrait enchanteur d'une jeune fille en compagnie de gibier à plumes.
Ce qui précède nous donne à comprendre qu'en dehors du territoire italien, de la même manière il y a eu une exploration dans le genre, principalement dans les pays nordiques. Cela s'est produit à la fois dans la province de Hollande du Nord et dans le sud, où de multiples variations du genre sont apparues.
Parmi eux, la nature morte de la cuisine, la nature morte du petit-déjeuner et la nature morte monochrome se distinguent. Le premier est peint d'objets de chasse comme ceux de Frans Snyders, le second comme ceux de Clara Peeters, Jacob Foppens van Es et Osias Beert, et le troisième, apparu vers 1625, comme ceux de Pieter Claesz et Willem Heda, ses deux auteurs les plus représentatifs.
La nature morte a acquis son indépendance dans le climat artistique novateur des Pays-Bas, puisqu'elle s'appelait "stilleven", dont le sens en espagnol est "nature calme". Pour sa part, dans les langues romanes et en russe, si elle était connue sous le terme de "nature morte".
Alors que les peintres ont trouvé une alternative limitée à la création de l'iconographie religieuse qui leur avait été longtemps interdite en raison des restrictions imposées par l'Église réformée néerlandaise, la coutume nordique du réalisme détaillé et de ses symboles occultes a commencé à attirer un nombre croissant d'artistes des classes moyennes à travers le pays.
Celle-ci remplaçait peu à peu l'église et l'État, considérés comme les plus grands mécènes de l'art dans la région. De même, au cours de ce siècle, un nouveau sous-genre appelé "nature morte florale" est apparu, qui fait clairement référence à ce sujet.
Il est né de l'intérêt incessant pour la culture des fleurs, qui seront ensuite considérées comme des objets esthétiques et religieux, contribuant de manière significative au développement de ce genre de nature morte. Surtout en Hollande, la nature morte florale était vendue sur les marchés ouverts ou dans le même atelier de ses artistes.
Cependant, il n'était pas habituel qu'elle soit réalisée par le biais de commandes, raison qui incitait chaque peintre à créer des œuvres assez personnelles, régies par ses goûts et ses styles caractéristiques. Il s'agissait presque toujours de simples mais belles représentations de vases et de guirlandes.
Ce genre avait à sa disposition une infinité de spécialistes, parmi lesquels se détachent : Daniel Seghers, Jacob Caproens et Jan Brueghel l'Ancien pour la Flandre, Mario Nuzzi et Margarita Caffi pour l'Italie, et Bartolomé Pérez de la Dehesa, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano et Pedro de Camprobín pour l'Espagne.
Sa popularité et son importance étaient telles qu'une bonne partie de la technique hollandaise de la peinture florale fut codifiée dans le traité de 1740 de Gérard de Lairesse, intitulé "Groot Schilderboek". Il a donné beaucoup de conseils sur la couleur, l'arrangement, les coups de pinceau, l'harmonie, la composition, la perspective, etc.
Depuis le début de l'ère chrétienne, la symbolique des fleurs a connu une évolution importante. Parmi les fleurs les plus courantes et leurs significations on trouve : rose (amour), coquelicot (pouvoir, mort), ancolie (tristesse), tournesol (loyauté, dévotion), tulipe (noblesse), lys (pureté, justice), violette (humilité , pudeur), entre autres.
En ce qui concerne les insectes, les papillons symbolisaient la transformation et la résurrection. De leur côté, les libellules représentaient l'éphémère, tandis que les fourmis, la valeur du travail acharné. De plus, les artistes néerlandais ont cherché à se spécialiser et ont réussi à faire revivre le genre grec ancien de la nature morte en trompe-l'œil.
Surtout, ils l'ont fait comme une imitation de la nature ou de la mimesis, en la nommant « bedriegertje », en anglais « little deception ». Samuel van Hoogstraten a été le premier à peindre des tableaux avec des étagères dans lesquelles divers objets étaient représentés cloués, attachés ou collés d'une manière ou d'une autre à une table.
Ce type de nature morte deviendra très célèbre au XIXe siècle aux États-Unis. Un aspect différent du trompe l'œil était chargé de représenter des objets associés à une profession spécifique. Dans "Le chevalet de peintre avec un fruit" du peintre flamand Cornelis Norbertus Gysbrechts, chacun des outils du métier de peintre est capturé.
De même, cet aspect a entraîné l'identification et le développement séparés des collections allégoriques et de la peinture de vanité ou vanitas. Dans ce dernier, de splendides arrangements de fruits et de fleurs, des livres, des statuettes, des pièces de monnaie, des bijoux, des cruches, des peintures, de la vaisselle, des instruments de musique ont été utilisés, accompagnés de rappels symboliques de la brièveté de la vie.
A cela s'ajoute l'utilisation de crânes, de sabliers ou de montres de poche, d'une bougie allumée et d'un livre renversé, afin de refléter le message moralisateur de l'éphémère des plaisirs des sens. Il est assez courant que certains fruits et fleurs soient en train de pourrir ou de se décomposer, c'est pourquoi la même considération est soulignée.
De même, la peinture est devenue populaire au milieu de ce siècle avec un large assortiment de spécimens de manière allégorique, des cinq sens aux quatre continents et aux quatre saisons, capturant une déesse ou une figure métaphorique entourée des objets naturels respectifs ou fabriquée par Humain.
En conséquence, il s'est rapidement propagé à d'autres parties du monde : l'Allemagne, l'Espagne et la France. La nature morte des Allemands s'est chargé de suivre de plus près les modèles avec lesquels les Hollandais ont commencé. Georg Flegel en a été l'un des pionniers.
L'Allemand a créé une nature morte pure sans aucune figure et le placement compositionnel innovant d'objets détaillés dans des armoires, des placards et des présentoirs. En même temps, il a produit plusieurs points de vue simultanément. Dans la région d'Espagne, les natures mortes ont acquis une plus grande importance jusqu'à il y a quelques années.
Cependant, ses origines remontent à cette période, seulement qu'au cours de l'histoire il y a eu une faible représentation des natures mortes peintes par des artistes d'origine espagnole dans les collections royales. Par conséquent, aussi une petite représentation dans les premières années de l'inauguration du Museo Nacional del Prado.
Cela a entraîné comme conséquence, l'oubli si décisif qui a pesé sur ce genre dans ce pays et sur le reste du continent jusqu'à l'arrivée du 1935ème siècle. Concrètement, la revalorisation débute en XNUMX avec une exposition organisée par la Société des Amis de l'Art, intitulée « Vases et natures mortes dans la peinture espagnole ».
Dans celui-ci, la présentation de l'œuvre du disciple du célèbre Blas de Prado, Juan Sánchez Cotán, "Bodegón de chasse, légumes et fruits" se distingue. La reconnaissance s'est poursuivie six ans plus tard lorsque la « Bodegón de cacharros » de Francisco de Zurbarán est arrivée au Prado grâce à des dons.
Les partisans du dictateur Francisco Franco ont trouvé dans les natures mortes de Sánchez Cotán et Zurbarán un stimulant particulier pour la vision essentialiste qu'ils avaient de l'Espagne, approfondissant avec ferveur les différences existantes par rapport aux natures mortes hollandaises ou flamandes.
En outre, les franquistes ont insisté sur l'impact de la nature mystique de la nature morte dans leur pays, en la liant à la littérature mystique de ce qu'on appelle l'âge d'or, et sur ce qu'ils voudraient que l'identité collective et permanente du citoyen espagnol être.
Contradictoirement, les thèmes développés par la littérature nationaliste avec plus de conservatisme au regard d'un petit nombre de natures mortes, ont été adoptés par une grande partie des savants étrangers, qui, bien qu'étant très bons, ne représentaient pas l'ensemble de la nature morte. pratiqué sur le territoire espagnol.
Un exemple en est Sybille Ebert-Schifferer, qui insiste sur la simplicité et les différences que possèdent les Espagnols par rapport aux Néerlandais, expliquant que même lorsque les deux ont un but moral implicite, cette austérité proche de la désolation espagnole rejette la plénitude, le luxe et la plaisirs sensuels des Hollandais.
Ce n'est pas le cas de Peter Cherry, car à la suite de l'historien de l'art allemand August L. Mayer, il a pu beaucoup apprécier la riche versatilité de la nature morte qu'offre l'Espagne. Ses natures mortes avaient leur touche particulière, si caractéristique et intéressante.
Tout comme en Italie et en France, en Espagne, les auteurs de traités dans le domaine de la peinture, tels qu'Antonio Palomino et Francisco Pacheco, ont désigné ce type de peinture comme un simple genre secondaire, car ils plaçaient les représentations de la figure humaine au premier plan. top la plus haute représentation artistique.
Malgré cela, les inventaires de peinture habituellement réalisés à des fins testamentaires ont révélé que les natures mortes étaient très bien représentées dans chacune des collections picturales de tous les groupes sociaux qui composaient la nation.
Pour le XVIIe siècle, la ville de Tolède, loin de la splendeur qu'elle connut autrefois, Paula Revenga analysa dans plus de 200 inventaires que sur 13.000 1.000 peintures qui y furent réalisées, 7 XNUMX étaient des natures mortes, soit XNUMX %. Il faut noter que ce pourcentage a augmenté dans certains groupes sociaux, plus encore dans le bas clergé.
Par conséquent, il a été relativement pratiqué par certains peintres renommés dans d'autres genres, tels que Juan Sánchez Cotán et Blas de Prado, conçus comme ses précurseurs en Espagne. On pourrait également citer Mateo Cerezo, Francisco de Zurbarán et Antonio de Pereda qui cultivaient de multiples vanités.
Ce pays a donné au monde d'authentiques spécialistes dans le domaine : Antonio Ponce, Diego Velázquez, Francisco Barrera, Francisco de Burgos Mantilla, Ignacio Arias, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Pedro de Camprobín, Pedro de Medina Valbuena, Tomás Yepes, et bientôt. Un exemple clair est Juan Fernández el Labrador, dont le talent a atteint la cour britannique.
D'une manière générale, dans le sud de l'Europe, on préférait le naturalisme du Caravage au détail exhaustif caractéristique de l'Europe du Nord. En France, les peintres de natures mortes se sont trouvés quelque peu influencés par les écoles du nord et du sud, empruntant certaines caractéristiques à chacune.
Siècle XVIII
Avec l'arrivée du nouveau siècle, les connotations religieuses et allégoriques sont complètement abandonnées. De même, les natures mortes de table de cuisine ont évolué à un point où elles sont devenues des représentations de différentes couleurs et formes, capturant ainsi les aliments de tous les jours.
Contrairement aux périodes passées, ces types de peintures ont été commandées à des artistes pour exécuter des natures mortes somptueuses et extravagantes pour orner les tables de l'aristocratie française. Ainsi que des toiles qui n'avaient pas le message moralisateur qu'avaient les vanités hollandaises.
Le charme rococo de l'artifice a atteint son apogée dans l'appréciation française du trompe l'œil, connu en français sous le nom de « trompe l'œil », « tromper l'œil ». Jean Siméon Chardin, considéré comme l'un des peintres les plus importants de sa nation au XVIIIe siècle, a utilisé une myriade de techniques allant du réalisme hollandais aux douces harmonies.
Pendant sa période révolutionnaire, les artistes américains qui ont étudié à l'étranger ont appliqué le style européen au portrait et à la nature morte. Ils l'ont fait en ajoutant d'autres éléments, tels que des fleurs et des oiseaux, et en travaillant sur la peinture nostalgique et l'hyperréalisme montrés à travers des objets du quotidien.
Le naturaliste Charles Willson Peale entreprit de fonder une famille d'importants peintres américains, ainsi qu'une association pour la formation de jeunes artistes et un musée des curiosités naturelles. Raphaelle, son fils, était membre d'un groupe éminent d'artistes de natures mortes, rejoint par John F. Francis, John Johnston et Charles Bird King.
Dix-neuvième siècle
Avec l'apparition des académies européennes, notamment l'Académie française, qui eut un rôle transcendantal dans l'art académique, la nature morte commença à perdre de son importance et passa au second plan. Les académies de tout le continent étaient chargées d'établir une hiérarchie des genres.
Cette hiérarchie établissait que la valeur artistique d'une œuvre résidait avant tout dans son thème. C'est-à-dire que sur la base de ce qui est exprimé dans le système, la forme la plus élevée de peinture était celle qui touchait à des sujets allégoriques, d'histoire, de religion ou de mythologie, déplaçant la nature morte à un échelon beaucoup plus bas de la reconnaissance artistique. .
Au lieu d'utiliser la nature morte pour la représentation de la nature, quelques artistes, comme Camille Corot et John Constable, ont opté pour le choix de les rapporter à des images de paysage, anticipant des mouvements qui émergeront plus tard comme l'impressionnisme.
Avec la débâcle du néoclassicisme, vers 1830, la peinture de genre et le portrait commencent à être les genres de prédilection des courants artistiques du romantisme et du réalisme. D'eux, des artistes de grande renommée pour l'époque incorporent la nature morte dans leurs toiles.
Diverses natures mortes d'Eugène Delacroix, Gustave Courbet et Francisco Goya portent un courant émotionnel intense dans lequel ils sont moins préoccupés par la justesse de ce qu'ils font et plus intéressés par leur humeur.
Bien que calquées sur les natures mortes de Jean Siméon Chardin, les créations d'Édouard Manet étaient assez tonales, d'une manière qui visait principalement l'impressionnisme. Le talentueux Henri Fantin-Latour, utilisant des techniques plus traditionnelles, est devenu très célèbre pour ses peintures de fleurs, avec de nombreux clients les collectionnant.
Déjà avec le déclin final de la hiérarchie académique dans toute l'Europe et l'apogée d'innombrables artistes impressionnistes et postimpressionnistes, la technique et l'harmonie des couleurs ont triomphé du sujet. Dès lors, la nature morte est à nouveau considérée comme versionnée en fonction des nouveaux courants picturaux.
Claude Monet, dans ses premières natures mortes, s'est un peu inspiré de Fantin-Latour, mais il a été l'un des premiers à oser rompre avec la tradition de l'utilisation des fonds et à les remplacer par des couleurs vives et éclatantes, afin d'offrir une plus grande luminosité. Pierre-Auguste Renoir innove également avec "Nature morte au bouquet et à l'éventail" et son fond orange brillant.
Dans la nature morte impressionniste, les contenus de nature religieuse et mythologique étaient totalement absents, on a plutôt tenté d'importer une harmonie chromatique et un traitement de la lumière supérieurs. C'était assez curieux de voir la manière dont ces artistes réalisaient leurs impressionnantes créations.
Bien qu'ils se soient inspirés des couleurs qui composent la nature, ils ont magnifiquement interprété leur vision, de sorte qu'à certaines occasions leurs peintures semblaient marquées de manière non naturelle. Comme l'a dit Paul Gauguin, "les couleurs ont leur propre signification".
D'autres tentatives de variation des perspectives traditionnelles peuvent être observées dans l'œuvre "Fruits exposés sur un présentoir" de Gustave Caillebotte, un tableau largement moqué à l'époque. D'un autre côté, l'un de ceux qui a reçu beaucoup de reconnaissance dans le monde était "Les Tournesols" de Vincent van Gogh.
Son auteur a utilisé diverses nuances de jaune et d'ocre pour en faire une représentation à plat qui deviendra au fil des ans une contribution notable à l'histoire du genre. Cela était dû au fait que des éléments de la vie quotidienne étaient capturés de manière originale.
Van Gogh et sa "Nature morte à la planche à dessin" (1889) est un exemple clair du portrait de la vie quotidienne dans les natures mortes, dessinées avec des objets personnels, notamment des pipes, de la nourriture, des livres, des lettres, sans que son image ne se reflète. . En plus de cela, il crée également sa variante de la vanité avec "Nature morte à la Bible" (1885).
Art moderne et contemporain
Les XNUMXe et XNUMXe siècles ont été d'une grande importance pour l'art, car au cours de ses premières années, il y avait place pour une évolution rapide des différents arts. Chacun des genres picturaux, y compris la nature morte, a poursuivi son processus évolutif pour laisser le figuratif loin derrière et atteindre enfin ce que nous appelons l'abstraction totale.
Peu à peu, des éléments du Japon commencent à s'ajouter, travaillant avec des fonds multicolores et, de la même manière, explorant davantage le concept abstrait avec des figures géométriques. Cela a vraiment fait une grande différence entre la nature morte moderne et orthodoxe.
D'autres peintres cherchant à rejeter le mouvement cubiste décident d'utiliser la nature morte, mais en trois dimensions, pour tenter de revenir au conventionnel. De plus, quelques objets caractéristiques de ce que nous concevons comme des natures mortes ont été incorporés à la peinture surréaliste.
En ce qui concerne l'art latino-américain, la nature morte y a également été explorée. Parmi ses représentants, on peut citer la Mexicaine Frida Kahlo et d'autres artistes contemporains qui se sont donné pour tâche de travailler sur le surréalisme, en intégrant les aliments et les symboles de leur culture.
Plus tard, plus précisément dans les années 60 et 70, le Pop Art est apparu, avec Andy Warhol et Roy Lichtenstein comme ses plus grands représentants. Bien qu'ils se démarquent à leur manière, tous deux réalisent leurs propres versions d'une nature morte avec des objets du quotidien, des assiettes de fruits, des bouteilles de vin et des soupes en conserve.
Notons enfin qu'avec l'incursion de la photographie dans l'art moderne et contemporain, la nature morte traditionnelle et simple ne pouvait que se déplacer. Cependant, cela ne signifiait pas nécessairement sa disparition totale, puisque de nombreux artistes se sont également consacrés à représenter ainsi la réalité.
La nature morte est continue et sera toujours présente aujourd'hui, puisque le rôle de la lumière, le sens de la pleine harmonie et le chromatisme tacite, sont devenus un aspect implicite dans l'art de la peinture, quel qu'il soit, le moment historique et son créateur. .
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