Van Gogh a créé une œuvre impressionnante, bien qu'il ait souffert d'une profonde douleur émotionnelle. Certaines de ses toiles en disent long sur son humeur et sur sa personnalité en général. Un tableau emblématique qui exprime à la fois l'agonie et le génie de l'artiste est Le Nuit étoilée de 1889.
Nuit étoilée
Vincent van Gogh est né le 30 mars 1853 aux Pays-Bas. Plus d'un siècle et demi plus tard, le peintre hollandais est considéré comme l'un des fondateurs de la peinture moderne, et La Nuit étoilée est l'un de ses tableaux les plus célèbres. Bien que la plupart des amateurs d'art le sachent, il convient de rappeler que Van Gogh n'a pas été un artiste à succès de son vivant. On a même souvent entendu dire qu'il n'avait pu vendre qu'une seule œuvre de son vivant.
Epuisé par sa misère constante, l'artiste souffre fin 1888 d'une dépression nerveuse qui lui coupe l'oreille gauche. Quelques mois plus tard, il décide d'entrer volontairement à l'hôpital psychiatrique Saint Paul de Mausole, situé dans un ancien couvent. C'est là que La Nuit étoilée a été tournée un an seulement avant son suicide, à une époque considérée comme la plus sombre de sa vie.
La nuit étoilée a été acquise par le biais de la succession de Lillie Bliss et fait partie de la collection permanente du Museum of Modern Art (MoMA) de New York depuis 1941. Au fil des ans, la peinture a été interprétée par divers universitaires et historiens de l'art et est toujours considéré comme l'un des chefs-d'œuvre les plus importants de l'histoire occidentale.
histoire d'artiste
Vincent Willem van Gogh est né le 30 mars 1853 à Groot Zunder, une petite ville du sud de la Hollande dans la famille d'un pasteur protestant. Des proches ont décrit le garçon comme un garçon ennuyé et de mauvaise humeur avec des manières étranges. En dehors de la maison, cependant, il était souvent réfléchi et sérieux, et au jeu, il faisait preuve de bon caractère, de courtoisie et de compassion.
En 1857, naît son frère Theodorus, qui deviendra son plus grand ami et confident. Ils auront une longue correspondance et Theo fournira à plusieurs reprises une aide financière à son frère. En 1864, Vincent est envoyé en internat, où il étudie les langues et le dessin. Cependant, déjà en 1868, il abandonna ses études et retourna chez ses parents.
À partir de 1869, le jeune homme travaille comme marchand dans la galerie d'art Goupil et Cie fondée par son oncle à La Haye. Vous passerez ensuite par l'agence de Londres puis celle de Paris. Là, le futur artiste a commencé à être sérieusement attiré par l'art, visitant fréquemment le Louvre, le Musée du Luxembourg, des expositions et des galeries. Mais en raison d'une déception amoureuse, il a perdu le désir de travailler et a plutôt décidé de devenir prêtre comme son père.
Il sera prédicateur dans une banlieue ouvrière de Londres avant d'entreprendre des études à la faculté de théologie d'Amsterdam. Il abandonne cet enseignement jugé trop difficile mais reste convaincu de sa vocation spirituelle. Il veut devenir prédicateur laïc. En 1879, il obtient une mission d'évangélisation en Belgique. En 1878, Van Gogh participe à des activités éducatives dans une ville minière du sud de la Belgique, conseillant les paroissiens et enseignant aux enfants.
Allez chez les mineurs du Borinage et partagez leurs conditions de vie extrêmement dures. Il traduisit cette découverte de la misère humaine dans des tableaux lugubres comme The Potato Eaters. Cependant, la peinture a toujours été la seule véritable passion de Vincent.
Il a soutenu que la créativité est le meilleur moyen d'alléger la souffrance humaine, que même la religion ne peut surmonter. Mais ce choix n'a pas été facile pour l'artiste : son implication auprès des plus modestes est jugée excessive par ses supérieurs et sa position n'est pas reconduite, il est tombé dans la dépression et a même passé quelque temps en hôpital psychiatrique.
Doutant un temps entre la vocation artistique et religieuse, il choisit de se consacrer à la peinture. Aujourd'hui, on peut dire qu'il avait raison. Son style très coloré possède une vitalité et une tension particulières qui n'ont pas fini d'impressionner. En effet, après une phase de dépression, il revient à la vie d'artiste.
En 1880, le départ de Vincent Van Gogh pour Bruxelles marque le début de sa carrière artistique. À 27 ans, il s'inscrit à l'Académie royale des beaux-arts et commence à travailler dans l'atelier du peintre Anton van Rappard. Mais en 1881, après une nouvelle dispute avec sa famille, il s'installe à La Haye où son cousin Anton Mauve l'initie à l'aquarelle puis à la peinture à l'huile. Dès lors, Van Gogh se consacre aux paysages et aux scènes paysannes et réalise son célèbre tableau Les mangeurs de pommes de terre en 1885.
La même année, il s'installe à Anvers où il découvre l'œuvre de Rubens, mais aussi celle de l'art japonais (1890). C'est également lors de son séjour dans la capitale flamande que Van Gogh commence à composer sa célèbre série d'autoportraits. En 1886, il rejoint son frère Théo à Paris. Il découvre les jeunes peintres parisiens, le Louvre et les estampes japonaises.
Il y fait rapidement partie du cercle des peintres impressionnistes et néo-impressionnistes qui vont exercer sur lui une influence considérable. Il connaît, entre autres, Toulouse-Lautrec, Pissarro, Gauguin et Bernard. Au contact et sous son influence, les peintures de Van Gogh prennent un peu de couleur. A leur contact, Van Gogh diversifie sa palette de couleurs et donne à ses tableaux une touche vive et exaltée visible dans sa série de tableaux du quartier de Montmartre ou encore dans son Portrait du Père Tanguy en 1887.
L'année suivante, son état mental se détériore et Van Gogh quitte Paris pour Arles. Fasciné par la lumière des paysages de Provence, le peintre réalise des tableaux célèbres tels que La Chambre de Van Gogh à Arles, (1888), Le Semeur au soleil couchant, (1888) et surtout ses célèbres Tournesols, (1888). En 1889, la santé défaillante de Van Gogh le contraint à un asile d'aliénés à Saint-Rémy-de-Provence. Peignant depuis sa fenêtre, il réalise notamment La Chambre (1889-1890), ainsi que sa somptueuse Nuit étoilée en 1889.
Bien que Vincent ait pu réaliser plusieurs dizaines de tableaux durant cette période, son état mental était loin d'être stable. En fait, il est de plus en plus victime d'épisodes de démence. Entre 1886 et 1888, par exemple, Vincent Van Gogh réalise de nombreux autoportraits, sous forme de peintures ou de simples dessins. Tout au long de son parcours artistique, ces autoportraits représentent une quarantaine d'œuvres.
Pourtant, le peintre hollandais ne s'est rendu compte de rien de son séjour à Auvers-sur-Oise dans un asile d'aliénés. Pourtant, il n'hésite pas à se représenter avec un bandeau autour de son oreille mutilée en 1889. L'histoire de l'oreille coupée de Vincent Van Gogh commence en 1888. Rêvant de vivre dans une communauté d'artistes, il invite Gauguin à le rencontrer à Arles. Ils vivent et peignent ensemble, mais après deux mois, leur relation se détériore.
Le 23 décembre 1888, Vincent menace Gauguin avec un couteau. Cette nuit-là, Vincent, probablement atteint d'une crise de démence, se mutile l'oreille gauche. Il l'emballe pour aller l'offrir à son amante Rachel, une prostituée. Il a été hospitalisé le lendemain. Après un bref retour à la Maison Jaune, Van Gogh entre volontairement dans un asile près de Saint-Rémy-de-Provence en mai 1889. Il continue à peindre, faisant quelques copies de tableaux de Millet et Delacroix, mais aussi des œuvres de son cru comme Jaunes de blé.
Le peintre est victime de crises violentes qui fragilisent sa mémoire. Van Gogh décide de retourner en région parisienne, non loin de la maison de son frère, à Auvers sur Oise. Il est suivi du docteur Gachet, ami des impressionnistes. Ce dernier prend soin de lui et apprécie son art. Van Gogh peindra également son portrait. Il créera plus de quatre-vingts toiles en deux mois. Le 27 juillet 1890, le peintre, selon la version officielle, tente de mettre fin à ses jours. Il s'est tiré une balle dans la poitrine et est décédé deux jours plus tard, alors âgé de 37 ans.
La version suicide n'a presque jamais été remise en question par personne. Après tout, cela a rendu la légende de Van Gogh plus dramatique. Cela n'a fait qu'alimenter l'intérêt pour lui et les prix de ses peintures ont augmenté. Mais c'est la chose étrange. Dans les derniers mois de sa vie, ses œuvres étaient plus positives les unes que les autres. Aussi, à Auvers, où il s'est installé, sa solitude s'est évanouie. Ici, il a trouvé de nombreux amis. Les gens se sont intéressés à ses peintures. Des critiques favorables ont commencé à apparaître dans la presse.
La version du meurtre par négligence (proposée en 2011 par les écrivains Naifi et White-Smith) est actuellement à l'étude. Lorsque Van Gogh est revenu blessé dans sa chambre, il ne portait pas d'arme. Son chevalet et les tableaux avec lesquels il a travaillé ce jour-là n'ont pas non plus été retrouvés. Au même moment, l'un des voisins a quitté la ville en urgence, emmenant avec lui deux frères adolescents. Dans cette famille, l'arme a été retrouvée.
Van Gogh hésitait à répondre aux questions de la police sur ce qui s'était passé. Il a insisté sur le fait qu'il l'avait fait lui-même. Il semble que Van Gogh ait décidé de prendre tout le blâme pour que le garçon ne finisse pas en prison. Un tel sacrifice était tout à fait dans son esprit. C'est ce qu'il a fait une fois quand il était pasteur adjoint. Il a donné sa dernière chemise à un pauvre homme. Il soignait des malades du typhus sans penser au risque d'infection.
Il est inhumé au cimetière d'Auvers en présence de son frère Théo, du docteur Gachet et du peintre Bernard. Malgré de graves troubles intérieurs, Van Gogh n'a presque jamais cessé de peindre. En huit ans, il a réalisé près de neuf cents peintures et un millier de dessins. Son travail post-impressionniste sera pris comme source d'inspiration par le fauvisme et l'expressionnisme.
La vue depuis la chambre du sanatorium
Pendant son séjour à Arles, Vincent van Gogh a créé certains de ses chefs-d'œuvre les plus célèbres, tels que les Iris et l'Autoportrait bleu. La date exacte de création de l'éblouissante nuit étoilée était le 18 juin 1889, ce qui peut être vérifié par correspondance avec son frère Theo. Un autre aspect important contenu dans les lettres des frères est une description de la façon dont Vincent percevait la vue nocturne de manière isolée :
"Par la fenêtre en treillis de fer, je peux voir un carré de blé dans une enceinte, sur lequel je peux voir le lever du soleil dans toute sa splendeur le matin."
Van Gogh a peint la vue avant l'aube depuis la fenêtre orientée à l'est de sa chambre de sanatorium, de sorte que sa fascination pour la nuit étoilée était un effet de l'état de Van Gogh dans lequel il cherchait un autre type d'ordre. Cette composition reflète sa lutte intérieure pour sa survie et pour sa raison. Chaque élément est impliqué dans un formidable amalgame de coups de pinceau, à l'exception de la ville au premier plan avec ses éléments architecturaux.
Bien que cette peinture de paysage soit pleine d'étoiles, avec des lignes douces qui dégagent une atmosphère calme, le ciel est présenté à l'envers, comme s'il reflétait un désordre plus profond. Quelques mois plus tôt, les pensées suicidaires et les hallucinations de Van Gogh s'étaient radicalement intensifiées.
La nuit étoilée est un témoignage de son intérieur et des nuits tumultueuses durant son séjour à la clinique. Van Gogh était fasciné par le ciel nocturne et ne regardait pas les étoiles pour la première fois. A l'automne 1888, il avait peint la nuit étoilée sur le Rhône, dans toute sa beauté douce et onirique. La principale caractéristique de cette peinture emblématique est l'examen précis de son environnement, dont les détails sont déterminés par ses influences intérieures.
En préparation, l'artiste a étudié différents moments de la journée et différentes conditions météorologiques à partir de sa vision de l'institution. Les dessins à l'encre les plus courants de Van Gogh ont été réalisés sur papier dans sa chambre, car il lui était interdit de peindre dans les salles communes par le personnel de l'hôpital. L'élément pictural unificateur de tout ce travail préparatoire est la ligne diagonale qui court de droite à gauche, délimitant les magnifiques collines des sierras.
Van Gogh a écrit plusieurs lettres mais a à peine mentionné La Nuit étoilée. Il mentionna avec désinvolture le tableau dans une lettre à Théo le 20 septembre 1889, le qualifiant d'étude nocturne, qui figurait dans une liste d'images qu'il envoya à son frère à Paris. Dans ce contexte, il est également important de mentionner que Van Gogh était en débat constant avec Emile Bernard et Paul Gauguin sur l'opportunité de peindre d'après nature ou de sa propre imagination. Dans une lettre à Bernard en 1888, Van Gogh rappelle une période vécue avec Gauguin :
"Quand Gauguin était à Arles, j'ai été trompé une ou deux fois, comme vous le savez... Mais c'était un stratagème, cher ami, et bientôt vous rencontrez un mur de briques... Pourtant, une fois de plus, j'ai été trompé pour chercher des étoiles trop grandes, un autre flop, et j'en ai marre."
Indépendamment de cette impression des tourbillons expressionnistes qui dominent le sommet de la nuit étoilée, l'artiste déclare un an plus tard dans une lettre au peintre Émile Bernard que le tableau a été un échec.
Interprétation de La Nuit étoilée
Beaucoup interprètent la signification symbolique de La Nuit étoilée de différentes manières. Certains sont enclins à voir dans l'image une citation directe de l'Ancien Testament ou de l'Apocalypse. Quelqu'un considère l'expressivité excessive de la peinture comme le résultat de la maladie du maître. Tout le monde s'accorde sur une chose : à la fin de sa vie, le maître ne fait qu'augmenter la tension interne de son travail.
Le monde est déformé dans la perception de l'artiste, il cesse d'être le même, en lui de nouvelles formes, des lignes et de nouvelles émotions sont découvertes, plus fortes et plus précises. Le maître attire l'attention du spectateur sur ces fantasmes qui rendent le monde qui l'entoure plus lumineux et moins ordinaire.
Plusieurs historiens de l'art ont examiné La Nuit étoilée en profondeur et certains d'entre eux ont interprété le tableau comme une vision hallucinatoire. Par exemple, l'historien de l'art Meyer Schapiro souligne que la peinture a été créée comme une image visionnaire inspirée par un sentiment spirituel tout en faisant allusion au contenu caché de l'œuvre et en se référant au livre de l'Apocalypse du Nouveau Testament. Les formes tourbillonnantes dans le ciel correspondent aux observations astronomiques publiées de nuages de poussière et de gaz connus sous le nom de nébuleuses.
Sven Lovgren déclare que la peinture a été réalisée dans un état de grande émotion. Il caractérise La Nuit étoilée comme une image infiniment expressive symbolisant l'union ultime de l'artiste avec le cosmos. L'historien de l'art Albert Boime souligne que le tableau montre non seulement les éléments topographiques de la vue de la fenêtre de Van Gogh, mais aussi les éléments célestes, car non seulement Vénus est représentée mais aussi toute la constellation du Bélier.
Équilibrée et expressive à la fois, la composition est structurée par son placement ordonné du cyprès, du clocher et des nébuleuses centrales, tandis que sa myriade de coups de pinceau courts et sa peinture densément appliquée mettent sa surface en mouvement turbulent. Une telle combinaison de contrastes visuels a été générée par un artiste qui a trouvé la beauté et l'intérêt de la nuit, qui, pour lui, était "beaucoup plus vivante et riche en couleurs que le jour"
Il existe d'innombrables interprétations de La Nuit étoilée, à commencer par le nombre d'étoiles représentées. Il y en a onze, en termes de luminosité et de saturation, ils ressemblent à l'étoile de Bethléem. Mais voici le décalage : en 1889, Van Gogh n'aimait plus la théologie et ne ressentait pas le besoin de religion, mais l'histoire de la naissance de Jésus a grandement influencé sa vision du monde.
Le ciel étoilé
La lune est aveuglante comme le soleil. Mais cette lumière est limitée à une pièce assez petite. Il n'y a pas de projection du clair de lune nocturne, le ciel peint semble l'absorber. Le ciel s'anime dans des camaïeux de bleus, aussi impressionnants qu'effrayants. Cela forme un contraste saisissant avec les jaunes dorés des étoiles et de la lune. Au total, ce sont onze étoiles qui composent ce ciel nocturne au-dessus de Saint Rémy de Provence. Van Gogh a écrit dans une lettre à sa sœur à l'automne 1888,
« Que certaines étoiles sont jaune citron, d'autres sont roses, vertes, bleues, myosotis. Je ne veux pas entrer dans les détails, mais il est évident que mettre des points blancs sur un noir bleu n'est en aucun cas suffisant si l'on veut peindre un ciel étoilé."
L'auteur a réussi à séparer le ciel de la Terre. On a l'impression qu'un mouvement actif dans le ciel n'affecte en rien ce qui se passe sur terre. Ci-dessous se trouve une ville endormie, prête à sombrer dans un sommeil paisible. Au-dessus, il y a des courants puissants, des étoiles énormes et un mouvement incessant. La lumière dans l'œuvre provient précisément des étoiles et de la lune, mais sa direction est indirecte. La lueur qui illumine la ville la nuit semble aléatoire, distincte du puissant vortex général qui règne sur le monde.
Le ciel ondule et coule comme une rivière, hypnotisant le spectateur par son énergie humaine. Il y a certainement un aspect spirituel dans La Nuit étoilée, reflété dans les lettres de Van Gogh à son frère à l'époque, où il parle d'un « terrible besoin de religion. Alors la nuit [il] sort pour peindre les étoiles.
Par conséquent, le ciel devient un moyen pour Van Gogh de comprendre et d'explorer l'une des croyances qui le concerne le plus ; La vie après la mort. Cette préoccupation est mise en évidence dans le choix de la couleur de Van Gogh, où des tons mauve poussiéreux et bleu-noir remplissent le ciel, un choix qui correspond à ses autres œuvres telles que Café Terrace at Night et Starry Night Over the Rhône.
Les astrophysiciens ont établi que la lune et les étoiles représentées dans le ciel de Van Gogh correspondent aux observations astronomiques publiées à Saint Rémy de Provence le 25 mai 1889. Capella était particulièrement brillante lorsque Van Gogh a peint le ciel en 1889, c'est pourquoi on peut voir beaucoup étoile plus grande et plus brillante dans son travail.
La lune comme l'étoile produit également une énorme quantité de lumière, qui est accentuée dans le tableau en raison de l'utilisation de cercles concentriques. Cependant, la lumière reste dans le ciel, elle ne se propage pas aux bords du tableau car le sol reste sombre.
La spirale
Au milieu de toutes les arabesques qui composent son ciel nocturne, Van Gogh concentre toute la circularité au centre de la toile. La plus importante des spirales peut être interprétée comme l'escalade de sa maladie. L'artiste a fait des grandes étoiles expressives et de la lune les principaux éléments du paysage. En peignant le ciel nocturne, il a utilisé une technique spéciale, grâce à laquelle cette peinture est devenue plus tard l'une des œuvres les plus célèbres de Van Gogh.
Les longs traits représentant les étoiles dessinent soigneusement des spirales dans lesquelles la lumière de la lune et des étoiles tournent, pour ainsi dire. Grâce à cela, ils semblent se déplacer dans le ciel, y transportant leur incroyable lumière. Van Gogh s'est inspiré de l'art japonais, en particulier des estampes, dans lesquelles non seulement des aplats de couleur se retrouvent, mais aussi des spirales qui se referment sur elles-mêmes apparaissent régulièrement.
La lune et les étoiles sont tout simplement incroyables, on s'en souvient longtemps : entourées d'immenses halos en forme de sphères de différentes nuances : doré, bleu et blanc mystérieux. Les corps célestes semblent émettre de la lumière cosmique, illuminant le ciel d'une spirale bleue.
Fait intéressant, le rythme ondulant du ciel capture à la fois le croissant de lune et les étoiles les plus brillantes ; tout est comme dans l'âme de Van Gogh lui-même. La spontanéité de The Starry Night est vraiment ostentatoire. Le tableau est très soigneusement pensé et composé : il semble équilibré grâce aux cyprès et au choix harmonieux de la palette.
C'est sans doute le premier aspect du tableau qui retient notre attention. L'énorme spirale tournante s'enroule autour de la peinture comme une vague. Il attire le regard étourdi et hébété du spectateur, offrant un aperçu des profondeurs de l'esprit délicat de Van Gogh. Cependant, se pourrait-il que cette spirale ait simplement été inspirée par l'étude de plus en plus populaire de l'astronomie au XNUMXème siècle ?
Van Gogh était amoureux d'astronomie et lisait régulièrement la revue "L'Astronomie" éditée par son ami Camille Flammarion. Pour représenter sa psyché troublée, il imite des reproductions scientifiques de nébuleuses. Ainsi, la spirale n'était pas une création induite par la folie, mais plutôt une étude de l'un des principaux intérêts de Van Gogh.
le cyprès déchaîné
Le vertige s'est emparé de cet arbre typique du sud de la France. Ses branches bougent comme des vagues, hors de l'immobilité du lieu nocturne elles semblent fonctionner comme un écho de l'environnement tortueux. Ces cyprès, s'élevant dans le ciel comme des flammes, sont une addition personnelle de Van Gogh.
L'arbre est important pour l'auteur, c'est le seul capable de transmettre toute l'énergie céleste à ceux qui vivent sur terre. Le cyprès aspire vers le ciel, son aspiration est si forte qu'il semble en une seconde que l'arbre va se séparer de la terre pour rejoindre le ciel. Comme si les langues de flamme verte étaient des branches séculaires dirigées vers le haut.
Symboliquement considéré, le cyprès pourrait être vu comme un pont entre la vie, représentée par la terre, et la mort, représentée par le ciel, communément associé au ciel. Les cyprès étaient également considérés comme des arbres de cimetière et de deuil.
"Mais la vue des étoiles me fait toujours rêver", a écrit van Gogh. « Pourquoi, me dis-je, les points lumineux du ciel nous seraient-ils moins accessibles que les points noirs de la carte de France ? Comme on prend le train pour aller à Tarascon ou à Rúen, on prend la mort pour aller vers une étoile.
Le cyprès est une caractéristique importante de l'œuvre et peut-être l'une des plus significatives. Épais, tourmenté et montant comme une flamme, il unit les deux moitiés du tableau : le ciel et la terre. La décision de Van Gogh de le placer au premier plan était significative. Le cyprès est traditionnellement un arbre associé à la mort et, selon Van Gogh, c'était le seul moyen d'accéder à une vie au-delà de la terre.
la petite ville
A droite, au pied de la colline, Van Gogh représente un petit village. Les toits des maisons reflètent le ciel d'un bleu profond et des lumières jaunes sont visibles ici et là aux fenêtres. Malgré l'heure tardive présumée, des sources lumineuses sont visibles depuis les maisons.
Derrière les maisons se trouve une église dont le clocher doit endurer les mêmes combats que les autres éléments de la toile. Le clocher de l'église ressemble à ceux de sa Hollande natale, pas de France. L'aiguille semble être aspirée dans les spirales célestes. Le clocher et l'église permettent à Van Gogh d'accentuer la puissance mystique et cosmique du ciel. Au-delà du village de Saint-Rémy-de-Provence, peint par van Gogh, s'élèvent les Alpilles, une chaîne de montagnes que Van Gogh apercevait de la fenêtre de sa clinique.
Selon la conception de l'asile de Saint Rémy de Provence, Van Gogh ne pouvait voir qu'un petit lopin de terre depuis sa chambre. Contrairement aux étoiles, le clocher et la ville n'ont pas été directement observés par l'artiste, mais ont été recréés à partir de son imagination. Ces deux éléments sont en fin d'ouvrage, n'occupant qu'un tiers de l'espace. Ils ont été manipulés au point qu'ils paraissent mouvants, tandis que les maisons plongées dans l'obscurité donnent au tableau une qualité de vitrail.
Technique
Dans cette peinture à l'huile, Van Gogh peint avec des traits épais, très visibles et quelque peu saccadés. On peut supposer que le peintre a construit son tableau sur plusieurs couches de peinture avant le résultat final. Avec cette œuvre, il a voulu, comme dans beaucoup de ces tableaux, exprimer un sentiment à travers les couleurs et le mouvement de ses pinceaux.
On peut voir que ce tableau est dominé par des nuances de bleu, qui représentent la nuit. Les verts foncés sont utilisés pour dessiner les arbres et les maisons. Les seules couleurs chaudes et plutôt jaunes de l'œuvre ont été peintes par petites touches pour les lumières des fenêtres, les étoiles, la lune et la volupté du ciel.
La lumière principale provient de la lune, qui se trouve en haut à droite du tableau. Il n'y a vraiment pas d'ombres car le ciel lui-même est éclairé par plusieurs étoiles et la ville a encore quelques maisons éclairées, malgré l'heure apparemment tardive
La technique de réalisation du ciel nocturne, le transfert de toutes les nuances nécessaires en même temps, n'était pas encore maîtrisée à cette époque. Vincent Van Gogh était pratiquement un pionnier dans ce domaine de l'art. L'artiste néerlandais utilise une combinaison de bleu foncé, différentes nuances de jaune, tout en ajoutant des tons vert foncé, bleu clair et marron. La combinaison de couleurs impressionne par son caractère unique. Toutes les couleurs se rejoignent et se complètent, tout en soulignant la subtilité et la profondeur de l'image.
Sa palette de couleurs ne peut que surprendre avec un mélange unique de bleu foncé profond (même la teinte nocturne marocaine), de bleu profond et de bleu clair, avec le noir du vert, du brun chocolat et de l'aqua. Il existe différentes nuances de jaune, que l'artiste touche au mieux, représentant la traînée des étoiles. Il a la couleur des tournesols, du beurre, du jaune d'œuf, du jaune pâle. Et la composition de l'image elle-même - des arbres, un croissant de lune, des étoiles et une ville dans les montagnes - est remplie d'une véritable énergie cosmique.
Les étoiles semblent vraiment sans fond, le croissant de lune donne l'impression du soleil, les cyprès ressemblent davantage à des langues de feu et les boucles en spirale semblent faire allusion à la séquence de Fibonacci. Quelle que soit l'humeur de Van Gogh à l'époque, La Nuit étoilée ne laisse personne indifférent qui a vu au moins sa reproduction.
La folie des nuits étoilées ?
Si chaque élément du tableau suggère que son mouvement incessant exprime la souffrance de Van Gogh, nous pourrions voir l'œuvre différemment. Avec le bleu comme symbole de la puissance de l'esprit et de la tranquillité, le jaune comme couleur de joie et de chaleur, cette œuvre ne pourrait-elle pas aussi être caractéristique de la libération du peintre ?
Peu de temps avant la création du tableau, Van Gogh écrit dans une lettre au peintre Émile Bernard : « Quand vais-je enfin faire ce ciel étoilé auquel je dois toujours penser ? Au-delà de la folie, la maîtrise et la maîtrise de l'œuvre est évidente, elle émane de lui. Tout est calculé dans les moindres détails.
Autres œuvres emblématiques de Van Gogh
Le peintre hollandais, pionnier de l'expressionnisme, est aujourd'hui considéré comme l'une des figures les plus importantes de l'histoire de l'art. La plus grande collection de ses œuvres se trouve dans sa Hollande natale, notamment au musée Van Gogh d'Amsterdam, mais nombre de ses peintures sont exposées dans les grands musées de Paris, Londres et New York.
Tournesols, 1888
Cette peinture à l'huile est l'une des peintures les plus représentatives de Van Gogh, mais aussi l'une des plus reproduites sous toutes ses formes : planches, affiches, fournitures de bureau... Les Tournesols font partie d'une série de tableaux sur le même thème, ils ont été peints après que l'artiste ait ramassé ces fleurs dans un champ à Arles et les ait dessinées au fur et à mesure qu'elles se fanaient. On dit que Van Gogh a obtenu les tons jaunes caractéristiques des pétales à la suite d'hallucinations visuelles causées par le café. Il était accro à la caféine.
La chambre de Van Gogh à Arles, 1888
Pendant la période que Van Gogh passe dans la ville d'Arles, il se trouve dans la pièce représentée dans ce tableau. L'artiste a voulu représenter la simplicité et la tranquillité de sa chambre à travers une palette de couleurs claires, qui sont un hommage à la sobriété du Japon. Il existe trois versions de ce tableau, décrites dans les lettres de Van Gogh. On peut différencier les trois versions en regardant les petites photos sur le lit.
On dit qu'à cause de son épilepsie, il a vu des couleurs déformées, ce qui expliquerait l'abondance de tons jaunes et verts dans cette œuvre. Il apparaît également que l'artiste a peint la Chambre de Van Gogh à Arles sous l'influence d'une plante appelée digitalis purpurea qui l'a aidé à maintenir son élan.
Terrasse de café la nuit, 1888
Voici une autre peinture à l'huile peinte lors de son séjour à Arles. Le café représenté dans le tableau, La Terrasse, Place du Forum, prend le nom de Café Van Gogh. L'œuvre est dominée par des couleurs chaudes (symbole de l'optimisme du peintre, heureux d'être venu dans le sud de la France à la recherche de calme et d'inspiration) en contraste avec les maisons ombragées et le ciel étoilé en arrière-plan.
Autoportrait au chapeau de paille, 1887
Van Gogh a peint plus de trente autoportraits, dont Autoportrait au chapeau de paille, dans lequel les tons sont nettement jaunes. La peinture se caractérise également par la lumière typique de l'impressionnisme. Cet autoportrait a été créé à une époque où Van Gogh se sentait dépassé à Paris.
Souvent confus après avoir bu des litres d'alcool dans une ville frénétique comme la capitale française, il avait besoin de s'évader dans un endroit calme (et il choisit Arles, grâce à l'influence de Gauguin) pour lequel il fit son portrait avec un chapeau de paille et un regard communiquant l'oppression à laquelle il voulait mettre fin.
Les mangeurs de pommes de terre, 1885
The Potato Eaters est considéré comme la première œuvre majeure de Van Gogh. Artiste en grande partie autodidacte, Van Gogh a voulu créer un chef-d'œuvre pour montrer qu'il était devenu un bon peintre de personnages. Par conséquent, il a délibérément choisi une composition complexe.
Comme le peintre lui-même l'a expliqué dans une lettre à son frère Theo, dans ce tableau peint dans la ville néerlandaise de Nuenen, il voulait représenter de vrais paysans mangeant les pommes de terre qu'ils cultivaient de leurs propres mains pour transmettre honnêtement la dure vie à la campagne. Ainsi, dans le tableau, nous pouvons voir un groupe de cinq paysans modestes dans l'obscurité, sur le point de dîner.
La chaise de Van Gogh, 1888
La chaise de Van Gogh va de pair avec la chaise de Paul Gauguin. Les deux peintures ont été réalisées par Van Gogh lors de son séjour à la Maison Jaune à Arles, où il a rencontré son ami Paul Gauguin. C'est après une dispute avec lui que Van Gogh lui coupe le lobe de l'oreille et que Gauguin rentre à Paris. L'artiste a ensuite décidé de capturer les différences entre les deux hommes en peignant les deux chaises. La sienne, une simple chaise de paille avec une pipe et un peu de tabac, faite de coups de pinceau durs et de tons ocres et bleus, évoque la douleur qu'il ressentait à ce moment-là.
Repos à midi, 1890
Inspiré de la Sieste de Millet, Van Gogh a peint ce tableau au sanatorium de Saint-Rémy à une époque où il n'avait pas de sujets à lui. Il réinterprète l'œuvre de Millet en réinventant une scène de repos champêtre avec ses couleurs et coups de pinceau caractéristiques, tout en restant fidèle à la composition originale.
Le Moulin de la Galette, 1886-1887
Le paysage et les moulins à vent de Montmartre sont le sujet et l'inspiration de plusieurs peintures de Van Gogh. Le Moulin de la Galette fut le théâtre d'un bal en plein air qui se situait entre deux moulins de la Butte Montmartre et à proximité de l'appartement qu'il partagea avec son petit frère Théo entre 1886 et 1888. Le Moulin de la Galette accueillit et inspira de nombreux artistes de l'époque, tels que Corot, Toulouse Lautrec et Renoir.
Vase aux quinze tournesols, 1888
Un des tableaux de tournesols de Van Gogh peint à Arles en août 1888. Utilisant un large spectre de jaunes rendu possible par l'invention de nouveaux colorants, Van Gogh présente les tournesols à chaque étape de leur vie (de la floraison au flétrissement). Van Gogh a voulu décorer la chambre de son ami Paul Gauguin, dans la maison jaune, une maison qu'il louait à Arles. Van Gogh et Gauguin ont travaillé ensemble sur la maison jaune entre octobre et décembre 1888.
Rosier en fleurs, 1889
Van Gogh a vu ces roses dans le jardin de l'asile de Saint Rémy de Provence, où il a été admis en mai 1889, après être passé par Arles. Les coups de pinceau différents et intenses de cette peinture seront présents dans les oeuvres qu'il réalisera jusqu'à la fin de sa vie.
Le vignoble rouge près d'Arles, 1888
Réalisé à Arles en novembre 1888, ce tableau représente les vendanges dans la campagne arlésienne. Le vignoble rouge près d'Arles serait le seul tableau vendu publiquement par Van Gogh de son vivant, mais c'est un fait actuellement contesté.
Les Iris, 1889
Les Iris font partie des nombreuses études florales que Van Gogh a réalisées lors de son séjour à l'asile de Saint Rémy de Provence. Bien que Van Gogh considérait ce tableau comme une étude, son frère Théo comprit qu'il s'agissait d'un tableau important. Il la soumet donc à l'exposition annuelle de la Société des Artistes Indépendants en septembre 1889.
Portrait de Camille Roulin, 1888
Le portrait de la jeune Camille Roulin fait partie d'une série de portraits modernes réalisés par Van Gogh pendant sa période à Arles entre 1888 et 1890. Camille était la fille cadette de Joseph Roulin, facteur de la ville et ami de Van Gogh. Au lieu de créer des portraits réalistes ou photographiques, Van Gogh a utilisé des couleurs vives et des lignes expressives pour provoquer les émotions du spectateur.
Branches d'amandiers en fleurs, 1890
Le tableau a été peint par Van Gogh comme cadeau à son frère, qui avait un fils. Il porte le nom de son oncle Vincent. Van Gogh voulait que les jeunes parents accrochent le tableau au-dessus de leur lit. Les amandes en fleurs signifient le début d'une nouvelle vie. L'image est très inhabituelle. C'est comme être sous un arbre et regarder les branches. Qui s'étendent contre le ciel.
La peinture est décorative. Mais c'est ce que Van Gogh s'est efforcé de faire dans nombre de ses œuvres. Il les a créés pour décorer les maisons des gens ordinaires aux moyens modestes. Il ne savait pas que ses peintures ne seraient disponibles que pour les très riches. Six mois après avoir fait Amandier Blossom Branches, Van Gogh va mourir. Selon la version officielle, il s'agirait d'un suicide.
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