L’innovation est l’expression ultime de ce qu’était la période moderne. En soi, ce mouvement a apporté avec lui l’une des plus grandes contributions à l’art du XXe siècle. Et c'est pourquoi nous avons décidé de vous faire connaître les principales caractéristiques de ce mouvement dans l'art, en particulier dans peinture moderniste et plus.
Modernisme et peinture moderniste
L'art moderne est un terme utilisé pour décrire une période de l'histoire de l'art qui s'étend approximativement des années 1860 aux années 1970. Le terme désigne le style et la philosophie de l'art produit à cette époque. Ses racines se trouvent dans le travail d'artistes de la fin du XIXe siècle tels que Van Gogh, Cézanne et Gauguin, dont la formation et le début de carrière étaient basés sur un style de peinture traditionnel.
Cependant, à la fin du XIXe siècle, de nombreux artistes ont commencé à s'éloigner du réalisme narratif dans le sujet et le style, se dirigeant vers un style de peinture plus abstrait qui abordait leurs nouvelles idées esthétiques, ce qui serait plus tard connu sous le nom de peinture moderniste. Ainsi, le terme "moderniste ou moderne" est associé à l'art, éloignant cette expression artistique de la peinture traditionnelle.
Les artistes modernes ont joué avec des manières inexplorées de voir leurs sujets et avec de nouvelles façons d’utiliser les matériaux de peinture traditionnels. Ils ont remis en question l’idée selon laquelle l’art devrait représenter le monde de manière réaliste, en expérimentant l’utilisation expressive de la couleur, de nouvelles techniques et de matériaux non traditionnels qui sont désormais considérés comme la marque de fabrique de l’art et de la peinture modernistes.
Le début du XXe siècle a apporté encore plus d’expérimentation. Les Fauves ont commencé à peindre des paysages expressifs et « sauvages », et les artistes cubistes ont commencé à déconstruire les sujets en formes solides, les rendant presque abstraits. Ces mouvements artistiques, et ceux qui les ont suivis au XXe siècle, étaient fondés sur de nouvelles façons de penser, de voir et d’explorer l’art, formant la définition même de ce qu’est l’art moderne. Alors que l’art moderne est un terme utilisé pour décrire un mouvement artistique et une période de l’histoire de l’art, le modernisme est le nom du mouvement philosophique qui a émergé au même moment.
La révolution industrielle, la croissance rapide des zones urbaines et les nouvelles formes de transport ont contribué au développement de la philosophie du modernisme qui a rejeté les formes traditionnelles de pensée, d'art, de religion et de comportement social. Modernisme et art moderne sont interdépendants et coexistent : les théories du modernisme nourrissent la pensée des artistes, et l'art moderne promeut la philosophie dans la pratique réelle.
Caractéristiques du moderne dans les arts
Bien qu'il n'y ait pas de caractéristique unique qui définit "l'art moderne", il se distingue par un certain nombre de caractéristiques importantes, telles que les suivantes :
Nouveaux types d'art
Les artistes modernes ont été les premiers à développer l'art du collage, diverses formes d'assemblage, une variété d'art cinétique (y compris les mobiles), divers genres de photographie, l'animation (dessin plus photographie), le land art et l'art de la performance.
Utilisation de nouveaux matériaux
Les peintres modernes ont planté des objets tels que des coupures de journaux et d'autres objets sur leurs toiles. Les sculpteurs utilisaient des objets trouvés, comme les "readymades" de Marcel Duchamp, à partir desquels ils créaient des œuvres de junk art. Les assemblages ont été réalisés avec les objets du quotidien les plus courants, tels que : voitures, montres, valises, caisses en bois et autres objets.
utilisation expressive de la couleur
Les mouvements artistiques modernes tels que le fauvisme, la peinture Color Field et l'expressionnisme ont été les premiers à libérer la couleur de manière significative.
Nouvelles techniques
La chromolithographie a été imaginée par l'affichiste Jules Cheret, le dessin automatique a été défini par les artistes surréalistes, au même titre que le frottage et la décalcomanie. Les peintres du geste ont conçu l'action painting. Pendant ce temps, les artistes pop ont introduit les "points Benday" et la sérigraphie dans les beaux-arts. D'autres mouvements et écoles d'art moderne ont également introduit de nouvelles techniques dans l'exécution et l'élaboration de la peinture.
Mouvements artistiques modernistes
Les débuts de la peinture moderniste ne peuvent être limités, mais il est généralement admis qu'elle a commencé en France au XIXe siècle. Les peintures de Gustave Courbet, d'Edouard Manet et des impressionnistes représentent un rejet approfondi de l'héritage académique dominant et une recherche d'une représentation plus naturaliste de l'univers visuel.
Les successeurs peuvent être considérés comme plus modernes dans leur répudiation des pratiques et des thèmes traditionnels et dans leur expression d’une vision personnelle plus abstraite. À partir des années 1890, une série de mouvements et de styles divers ont émergé, qui sont au cœur de l’art contemporain et représentent l’un des points culminants de la culture visuelle occidentale. Ces mouvements modernes comprennent :
- néo-impressionnisme
- Symbolisme
- Fauvisme
- Le cubisme
- Futurisme
- Expressionnisme
- Suprématisme
- Constructivisme
- peinture métaphysique
- de Stijl
- Dada
- Surréalisme
- Réalisme social
- Expressionisme abstrait
- Pop Art
- Op art
- Minimalisme
- néo-expressionnisme
Indépendamment de la grande variété observée dans ces mouvements, beaucoup d'entre eux sont typiquement contemporains dans leur enquête sur les potentiels inhérents au médium pictural lui-même pour exprimer une réponse religieuse aux conditions de vie variées au XXe siècle et au-delà.
Ces conditions comprennent l'accélération du changement technologique, la croissance des connaissances et de la compréhension scientifiques, l'inadéquation apparente de certaines sources standard de croyances et de valeurs et la prise de conscience croissante des cultures non occidentales.
Regardez une vidéo sur l'évolution de l'art moderniste
Chronologie et évolution
Le développement de l'art moderne dans toute sa représentation (peinture moderniste et plus), s'est présenté et a évolué dans le monde à travers différentes formes et causes, qui seront détaillées chronologiquement ci-dessous :
1870-1900
Bien que le dernier tiers du XIXe siècle ait été quelque peu dominé par le nouveau style de peinture impressionniste, il y avait en fait plusieurs courants pionniers de l'art moderne et de la peinture moderniste, chacun avec sa propre approche particulière. Celles-ci comprenaient :
- Impressionnisme (précision dans la prise des effets de la lumière du soleil).
- Réalisme (contenu – thème).
- Art académique (images réelles de style classique).
- Romantisme (état d'esprit).
- Symbolisme (iconographie énigmatique).
- Art de l'affiche lithographique (motifs et couleurs audacieux).
La dernière décennie de cette période vit une série de révoltes contre les académies et leurs salons sous la forme du mouvement de la Sécession, tandis que la fin des années 1890 vit le déclin de l'art basé sur la nature, comme l'impressionnisme, qui allait bientôt conduire à l'essor d'un art plus sérieux basé sur des messages.
1900-14
Presque en tout, ce fut l'époque la plus impressionnante de l'art moderne, où tout était encore potentiellement viable et où le "gadget" n'était encore visualisé que comme un allié de l'homme. Les artistes parisiens ont produit un certain nombre de nouveaux styles, notamment le fauvisme, le cubisme et l'orphisme. Tandis que les artistes allemands lancent leur propre école de peinture expressionniste moderniste.
Tous ces mouvements progressistes ont rejeté les attitudes traditionalistes envers l’art et ont cherché à défendre leur propre programme particulier de modernisme. Ainsi, le cubisme a cherché à donner la priorité aux attributs formels de la peinture, tandis que le futurisme préférait mettre l’accent sur les possibilités de la machine, et l’expressionnisme défendait la perception individuelle.
1914-24
Le carnage et la destruction de la Grande Guerre ont complètement changé les choses. En 1916, le mouvement Dada est lancé, rempli d'une envie nihiliste de renverser le système de valeurs qui a fait naître Verdun et la Somme. Du coup, l'art figuratif semblait obscène. Aucune image ne pouvait rivaliser avec les photographies des morts à la guerre. Les artistes s'étaient déjà de plus en plus tournés vers l'art non objectif comme moyen d'expression. Les mouvements d'art abstrait de l'époque comprenaient:
- Cubisme (1908-40)
- Vorticisme (1914-15)
- Suprématisme (1913-18)
- Constructivisme (1914-32)
- Stijl (1917-31)
- Néoplasticisme (1918-26)
- Elémentarisme (1924-31)
- Bauhaus (1919-33)
- La dernière école St Ives
Même les quelques mouvements figuratifs étaient clairement avant-gardistes, comme le montre la peinture métaphysique (1914-20).
1924-40
Les années de paix de l'entre-deux-guerres restent marquées par des difficultés politiques et économiques. La peinture et la sculpture modernistes abstraites sont restées importantes, car l'art propre à la réalité est resté largement démodé.
Même l'aile réaliste du mouvement surréaliste, le plus grand mouvement de l'époque, ne pouvait pas gérer plus qu'un style de réalité fantastique. Pendant ce temps, une réalité plus sinistre émergeait sur le continent, sous la forme d'art nazi et d'agit-prop soviétique. Seul l'Art Déco, un style de design plutôt élégant destiné à l'architecture et aux arts appliqués, exprime une confiance en l'avenir.
1940-60
Le monde de l'art a été transformé par la catastrophe de la Seconde Guerre mondiale. Pour commencer, son centre de gravité s'est déplacé de Paris à New York, où il est resté depuis. Presque tous les futurs records mondiaux de prix seraient atteints dans les salles de vente de Christie's et Sotheby's à New York. Pendant ce temps, l'indicible phénomène d'Auschwitz avait miné la valeur de tout art réaliste, à l'exception de l'art de l'Holocauste des personnes concernées.
En conséquence de tout cela, le prochain grand mouvement international, l'expressionnisme abstrait, a été créé par des artistes américains de l'école de New York. En effet, pendant les 20 prochaines années, l'abstraction dominera, au fur et à mesure que de nouveaux mouvements émergeront. Ceux-ci comprenaient :
- Art informel.
- Action peinture.
- Gestuelle.
- Fumeurs.
- Peinture de champ de couleur.
- abstraction lyrique.
- Peinture à bord dur
- COBRA, un groupe qui se distingue par son iconographie enfantine et ses lignes expressives.
Au cours des années 1950, d'autres types de styles plus audacieux ont germé, tels que: l'art cinétique, le nouveau réalisme et le néo-dada, qui ont tous manifesté un malaise progressif avec l'industrie des arts étroits.
1960
L'explosion de la musique populaire et de la télévision se reflète dans le mouvement Pop-Art, dont les représentations picturales des célébrités hollywoodiennes et l'iconographie de la culture populaire célèbrent le succès de la consommation de masse aux États-Unis. Il avait également une sensation fraîche et moderne, qui a contribué à dissiper une partie de la morosité du début des années 60 associée à la crise cubaine de 1962. Ce qui en Europe avait alimenté le succès du mouvement Fluxus dirigé par :
- Georges Maciunas
- Joseph Beuys
- Nam June Paik
- Loup Vostell
Le pop art terre-à-terre était également un contrepoint bienvenu à l'expressionnisme abstrait plus savant, qui avait déjà commencé à s'estomper. Mais les années 1960 ont également vu la montée d'un autre mouvement très médiatisé connu sous le nom de minimalisme, une forme de peinture et de sculpture moderniste purgée de toutes références ou gestes extérieurs, contrairement au langage chargé d'émotion de l'expressionnisme abstrait.
Modernisme dans les arts graphiques
À la fin du XIXe siècle, les artistes se lassaient des formes d'art traditionnelles et conservatrices. À Vienne, un groupe d'artistes dirigé par Gustav Klimt s'est appelé la Sécession viennoise et s'est coupé des institutions artistiques de la capitale autrichienne à l'époque.
Le groupe a exploré des territoires inexplorés dans la forme, la composition et l'expression, déclenchant des expériences similaires dans d'autres pays voisins tels que la France et l'Allemagne. Les riches traits de peinture modernistes et le réalisme sont traduits en aplats de couleurs et en typographie stylistique, des expressions qui ouvriraient la voie à l'art graphique.
Au début de la Première Guerre mondiale, la conception graphique était déjà utilisée à des fins commerciales, d'entreprise et esthétiques. Son nouveau rôle serait politique, utilisé dans les affiches et la propagande pendant la guerre.
Les progrès de l'impression couleur de masse ont permis la production efficace de messages pour collecter des fonds, encourager l'enrôlement et remonter le moral. La tourmente et les défis rencontrés lors des deux guerres mondiales ont finalement inspiré la première vague de véritable modernisme dans le design graphique.
En Europe et en Amérique, les graphistes se sont inspirés de mouvements artistiques plus larges tels que le cubisme, le futurisme, De Stijl et le surréalisme. En Allemagne, le mouvement Bauhaus a également eu un impact significatif sur le design graphique. Avec ses lignes audacieuses, ses couleurs primaires et son espace blanc dérangeant, il était aussi frappant dans le format 2D que dans l'architecture ou la sculpture.
En fin de compte, le design moderniste a été défini par l'expression abstraite, les caractères gras et les couleurs et formes primaires. Ces concepteurs ont abordé le travail de manière objective, mettant l'accent sur le rationnel plutôt que sur l'expressif (et mettant l'accent sur la croyance moderniste classique selon laquelle la forme suit la fonction).
Lorsque les nazis sont arrivés au pouvoir dans les années 1930, les expériences modernistes dans toutes les pratiques ont été dénoncées et de nombreux artistes, architectes et designers ont immigré aux États-Unis. Bien que le design moderniste ait été interrompu dans sa croissance, il reste l'un des mouvements les plus marquants de l'histoire du design graphique.
Regardez une vidéo sur l'impact du modernisme sur le design graphique
Bijoux Art Nouveau, verrerie, céramique, mobilier et fer forgé
Les joailliers modernistes des États-Unis qui ont exercé leur métier des années 1930 aux années 1960 ont rejeté catégoriquement les styles qui les avaient précédés. Les bijoux victoriens ont été abandonnés car trop décoratifs, les pièces Art Nouveau ont été jugées trop pointilleuses et l'esthétique Art Déco a été jugée excessivement rigide. Ces bijoutiers estimaient avoir davantage en commun avec les peintres, les sculpteurs et les autres artistes modernes de l’époque.
Son objectif ambitieux était de créer des œuvres d'art uniques que les gens pourraient utiliser. L'un des premiers champions et praticiens de la forme était Sam Kramer, qui, comme beaucoup de ses contemporains, a vécu, travaillé et vendu ses créations dans le Greenwich Village de New York. Kramer travaillait principalement dans l'argent, mais était également habile à fabriquer des bagues, des boucles d'oreilles et des épingles en cuivre et a trouvé des artefacts, notamment des dents d'élan, des boutons, des fossiles et des pièces de monnaie anciennes.
À l'occasion, Kramer a utilisé des pierres semi-précieuses telles que des grenats ou des opales dans ses pièces surréalistes, géométriques ou biomorphiques. Un autre leader non officiel du mouvement de bijoux moderniste était le voisin de Kramer, Art Smith. Ses bijoux allaient de simples anneaux de cou en argent à des pièces biomorphiques basées sur des motifs africains.
Bien que Smith ait réalisé de petites pièces comme des boutons de manchette et des boucles d’oreilles, nombre de ses meilleures œuvres étaient suffisamment grandes pour envelopper le corps, comme si la forme humaine n’était que la toile de fond de ses créations. Ses manchettes vintage en cuivre, en particulier les manchettes « jazz » avec des notes de musique appliquées sur leurs surfaces extérieures, sont très recherchées par les collectionneurs. Les boomerangs, les lignes droites entrecoupées de courbes et les formes de l'ère atomique caractérisent le travail d'Ed Wiener.
D'autres fois, une paire de boucles d'oreilles en argent ressemblant à des sabliers déformés était ornée d'une seule perle. D'autres fois, une agate œil de chat était placée au centre d'une pièce, comme pour donner à ses objets inanimés l'apparence d'un visage humain.
Un autre habitant de Greenwich dont les bijoux modernistes vintage sont très appréciés était Paul Lobel, qui a conçu d'adorables épingles et bracelets en argent, ainsi que du verre, des meubles et de la vaisselle en argent. En dehors de New York, il y avait Betty Cooke, qui travaillait sur le mode Bauhaus à Baltimore.
Ses bijoux étaient composés de formes géométriques et se caractérisaient par un sens aigu de l'ordre, qu'elle perturbait délibérément par le placement pointu de perles, de petits blocs de bois ou encore de pierres brutes comme le quartz.
Une autre acolyte du Bauhaus était Margaret De Patta, dont le travail reflétait la profonde influence du maître du Bauhaus László Moholy-Nagy, avec qui elle a étudié. Pendant ce temps, à San Francisco, Peter Macchiarini s'est inspiré des masques africains et du cubisme. Le laiton, le cuivre et l'argent étaient des matériaux courants, ainsi que les opales, les agates et le bois.
En Scandinavie dans les années 1940 et 1950, un mouvement parallèle se met en place. Henning Koppel et Nanna Ditzel étaient deux designers notables pour Georg Jensen, dont les colliers en argent en forme de larme et d'amibe combinaient la perfection de l'orfèvrerie danoise avec un intérêt pour les formes naturelles, voire primitives.
Plus tard, dans les années 1960 en Finlande, Bjorn Weckstrom a marié des pièces en argent massif et en acrylique poli pour créer des bagues, des bracelets et des pendentifs à la fois futuristes et organiques. D’autres domaines explorés par les artistes modernistes étaient la production de céramique, de meubles, de verrerie et de métallurgie. Parmi les artistes les plus marquants, on peut citer :
- Louis Comfort Tiffany (designer)
- Émile Gallé (céramiste et verrier)
- Antonin Daum (vitrier)
- Lluís Masriera (bijoutier)
- Carlo Bugatti (créateur de meubles)
- Louis Majorelle (créateur de meubles)
- Gustave Serrurier-Bovy (créateur de meubles)
- Jacques Grüber (décorateur et peintre)
- Jules Brunfaut (architecte et décorateur)
- Auguste Delaherche (céramiste)
- Georges de Feure (peintre et décorateur)
peinture moderniste
La période moderne de l'histoire de l'art a été un grand spectateur de l'effondrement des limites traditionnelles, à la fois en termes de forme (l'apparence de l'art) et de contenu (le sujet). Cela s'est produit dans toutes les branches de l'art, avec la peinture au premier plan. En effet, les peintres étaient à la tête de l'innovation esthétique en Europe depuis la fin de l'Antiquité.
L'innovation la plus importante dans la forme a été la montée de styles de peinture de plus en plus déformés, aboutissant à la naissance de l'art abstrait. En termes de contenu, la peinture moderniste a tendance à présenter des scènes ordinaires et quotidiennes, par opposition aux sujets "élevés" traditionnels (bibliques, mythologiques, historiques).
La naissance de la peinture moderniste est souvent attribuée au réalisme, un mouvement français qui dépeint des scènes de la vie quotidienne d'une manière physiquement réaliste. Bien que des scènes réalistes de la vie quotidienne remontent à la peinture du Pays bas de la Renaissance, le mouvement du réalisme moderne a adopté une nouvelle approche en se concentrant sur les dures réalités, notamment : la pauvreté, l'itinérance et les conditions de travail oppressantes.
Ce mouvement a été dirigé par Gustave Courbet, dont les œuvres les plus remarquables sont "Les Casseurs de pierres" et "Entierro de Ornans". Bien que la distorsion, et non le réalisme, devienne la tendance dominante de la peinture moderniste, l'art réaliste a continué à prospérer jusqu'à ce jour. Une grande partie de cet art est, comme le mouvement français d'origine, socialement conscient.
La phase majeure suivante de la peinture moderniste était l'impressionnisme, un style rapide et sommaire qui capture l'impression générale d'une scène (par opposition à des détails précis). En particulier, l'impressionnisme tente de capturer les effets momentanés de la lumière, principalement par des coups de pinceau adjacents de couleurs vives et contrastées (qui améliorent la brillance des deux couleurs, produisant ainsi un effet lumineux).
Les impressionnistes furent le premier groupe d'artistes à peindre principalement sur place, plutôt que de dessiner sur place et de peindre en atelier. Les racines de l’impressionnisme se trouvent dans les œuvres d’Édouard Manet, qui peignait dans un style assez réaliste. Cependant, Manet a provoqué la controverse en adhérant peu à la perspective, en rendant les arrière-plans de manière schématique simplifiée et en aplatissant les surfaces des objets en zones de couleur unie (plutôt que de modéliser les objets avec un ombrage lisse).
Ces tendances se sont manifestées clairement pour la première fois dans « Le Déjeuner sur l'herbe », le tableau de jeunesse le plus célèbre de Manet. Elles deviennent plus prononcées dans ses œuvres ultérieures, notamment : « Un bar aux Folies-Bergère », souvent considéré comme son chef-d'œuvre. L'extension du style de Manet a conduit à l'impressionnisme, où les détails nets et la modélisation réaliste ont été abandonnés au profit de coups de pinceau rapides et de touches de couleur unie.
L'impressionniste le plus célèbre était Claude Monet, qui travaillait principalement sur des paysages et des marines. Ses premières œuvres comprennent de nombreuses peintures côtières autour de sa ville natale du Havre, notamment « Impression, soleil levant ». Lorsque cette œuvre fut critiquée comme étant une « simple impression », le nom du style fut garanti.
Parfois, Monet revenait plusieurs fois sur un sujet, à des moments ou à des saisons différents, pour capturer une gamme complète de conditions d'éclairage.
Cette approche a abouti à la célèbre série Water Lily, qui présente de nombreux traitements de l'étang de nénuphars à l'extérieur de la maison dans laquelle Monet s'est retiré.
L'impressionnisme englobe bon nombre des noms les plus reconnus de la peinture. Avec Monet, la peinture de paysage impressionniste a été dirigée par Sisley et Pissarro. Les peintres de figures les plus éminents du style impressionniste étaient:
- Renoir
- Morisot
- De gaz.
Les impressionnistes, qui brouillaient et simplifiaient légèrement la réalité, furent suivis par un groupe d'artistes qui poussèrent la distorsion beaucoup plus loin : les postimpressionnistes, qui découvrirent que de nouveaux effets émotionnels saisissants étaient possibles si les formes et les couleurs de la réalité étaient transformées de manière plus spectaculaire.
Certains postimpressionnistes ont poursuivi la distorsion géométrique (dans laquelle le monde est compressé en formes géométriques, créant un sentiment de rigidité et de contrôle), tandis que d'autres ont exploré la distorsion fluide (dans laquelle le monde est biaisé de manière fluide et organique). Les deux types de distorsion (surtout fluide) présentent souvent des couleurs dramatiquement irréalistes.
Le principal pionnier de la distorsion géométrique était Paul Cézanne, qui a simplifié en douceur les caractéristiques physiques d'une scène en formes géométriques. Cela a abouti à des paysages (son sujet de prédilection) avec une apparence un peu rigide et en blocs.
Le pionnier le plus important de la distorsion fluide était Vincent van Gogh. Le style de Van Gogh est fluide et coloré, avec un accent particulier sur le jaune. La Nuit étoilée est peut-être son œuvre la plus célèbre.
Tandis que Georges Seurat a développé une forme très particulière de postimpressionnisme : le pointillisme, dans lequel les scènes sont représentées en de nombreux points d'une seule couleur. L'œuvre pointilliste la plus célèbre est « Dimanche après-midi » qui représente l'île de la Grande Jatte.
sculpture moderniste
La sculpture moderne est historiquement définie comme la sculpture commençant par l'œuvre d'Auguste Rodin et se terminant avec l'avènement du pop art et du minimalisme dans les années 1960. La discussion d'Alex Potts en 2001 sur l'historiographie de la sculpture moderne est complète pour une compréhension des médias, période, et les méthodes utilisées par les artistes clés.
Alors qu'il est désormais considéré comme un cliché de lancer le mouvement moderniste en sculpture avec l'œuvre de Rodin, on commence à voir dans son travail des tendances qui deviendront caractéristiques de la sculpture moderne, comme un nouvel intérêt pour le fragment, en particulier le corps.
Ainsi qu'un traitement de surface et un détail de surface expressif, une attention au mouvement, une fusion symbolique de l'expression intérieure d'une figure et de sa représentation extérieure, ou ce que Constantin Brancusi appelait «l'essence». Et une plus grande prise en compte de l'abstraction, de la fragmentation et de la non-représentation dans les objets sculpturaux, c'est-à-dire un départ conscient du réalisme et de l'idéalisme académique.
Les sculpteurs de cette période ont également mis l'accent sur le design, la forme et le volume plutôt que sur la représentation d'un sujet spécifique. L’utilisation de matériaux non traditionnellement utilisés dans les concepts sculpturaux finaux est devenue plus évidente, comme l’utilisation de vêtements, de textiles et d’autres techniques mixtes. Comme on le voit dans la « Petite danseuse de quatorze ans » créée par Edgar Degas entre 1878 et 1881, elle se trouve actuellement à la National Gallery de Washington.
La fusion des éléments humains et mécaniques est observée pendant la période de l'âge des machines, comme dans les œuvres d'Umberto Boccioni et de Jacques Lipschitz, en plus de la distorsion et de la fragilité qui apparaissent dans les œuvres de l'entre-deux-guerres, comme dans les œuvres de Medardo Rosso et Alberto Giacometti.
L'influence de l'art extérieur à la tradition occidentale, c'est-à-dire européenne, est devenue très influente pour les sculpteurs au tournant du siècle et peut être observée dans les sculptures de Paul Gauguin et de Pablo Picasso. Des artistes tels que Naum Gabo et Antoine Pevsner ont commencé à utiliser des matériaux qui n'avaient pas été utilisés pour la sculpture artistique dans le passé immédiat et des matériaux nouvellement inventés, comme le plastique.
Les matériaux qui avaient été utilisés dans le passé sont devenus plus importants à l'époque moderne, tels que : l'aluminium avec Isamu Noguchi, l'électricité pour les lumières dans la sculpture et pour le mouvement motorisé par Camille Claudel, le fer par Julio González, le plomb par Aristide Maillol, l'acier et les métaux soudés. les métaux de David Smith et Julio González, le bois de Constantin Brancusi et les objets trouvés de Louise Nevelson.
Regardez la vidéo sur la sculpture moderniste
Bien qu'il existe des exemples de sculptures en mouvement réalisées par des sculpteurs antérieurs tels que: Antonio Canova et Lorenzo Bartolini. Ce que nous considérerions comme une sculpture cinétique aujourd'hui, à la fois la suggestion de mouvement dans la sculpture et les sculptures en mouvement réelles sont devenues plus importantes au cours de la première moitié du XNUMXe siècle. Alexander Calder et László Moholy-Nagy ont mis en œuvre une plus grande utilisation de la technologie du mouvement dans leurs œuvres de la seconde moitié du siècle.
La tension et la réaction entre l'image positive et l'espace négatif entourant une œuvre d'art jouaient également un rôle important, et cela se voit notamment dans les premières œuvres et les "dessins de l'espace" de Giacometti, Picasso et David Smith, ainsi que dans sculpture de Jean Arp, Henry Moore et Barbara Hepworth.
Les artistes mentionnés ci-dessus, ainsi que de nombreux autres, dont Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Max Ernst, Henri Gaudier-Brzeska, Gaston Lachaise, Henri Laurens et Aristide Maillol, ont rompu de manière significative avec la sculpture du passé récent, la libérant de sa dépendance à l'anatomie et de sa servitude à l'architecture, et poussant le médium plus loin que n'importe quelle génération depuis les sculpteurs du début de la Renaissance.
Architecture moderne
L'architecture moderne est née du rejet des renaissances, du classicisme, de l'éclectisme et de toutes les adaptations des styles antérieurs aux types de construction de la société industrialisée de la fin des XIXe et XXe siècles. En outre, il est né de tentatives de création de formes et de styles architecturaux qui pourraient utiliser et refléter les technologies de construction nouvellement disponibles en fer et acier structuraux, en béton armé et en verre.
Jusqu'à la propagation du postmodernisme, la structure moderne impliquait également le rejet de l'ornement appliqué et de la décoration caractéristique des bâtiments occidentaux prémodernes. La poussée de l'architecture moderne a été une concentration rigoureuse sur les bâtiments dont l'arrangement rythmique des personnes et des formes établit un motif géométrique dans la lumière et la couleur.
Ce développement était étroitement lié aux nouveaux types de construction requis par une société industrialisée, tels que les immeubles de bureaux qui abritent la direction des entreprises ou la direction du gouvernement. L'une des tendances et des mouvements les plus importants de l'architecture moderniste sont:
- L'école de Chicago
- fonctionnalisme
- art Déco
- Art Nouveau
- De Stijl, le Bauhaus
- Le style international
- Le nouveau brutalisme
- Postmodernisme
artistes modernes
L'histoire de l'art moderne est l'histoire des plus grands artistes et de leurs réalisations. Les artistes modernes ont fait des efforts pour exprimer leur vision du monde qui les entoure en utilisant des moyens visuels. Alors que certains ont lié leur travail à des mouvements ou des idées antérieurs, l'objectif primordial de chaque artiste de l'ère moderne était de faire progresser sa pratique vers une position de pure originalité.
Certains artistes se sont imposés comme des penseurs indépendants, s'aventurant au-delà de ce qui constituait des formes acceptables de «grand art» à l'époque, soutenus par les académies d'État traditionnelles et les mécènes de la classe supérieure des arts visuels. Ces innovateurs ont décrit un sujet que beaucoup considéraient comme obscène, controversé ou même carrément laid.
Le premier artiste moderne à être essentiellement seul dans ce sens fut Gustave Courbet qui, au milieu du XIXe siècle, tenta de développer son propre style distinctif. Cela a été largement accompli par son tableau de 1849-1850, Enterrement à Ornans, qui a choqué le monde de l'art français en représentant les funérailles d'un homme ordinaire d'un village paysan.
L'Académie s'est hérissée devant la représentation d'ouvriers agricoles sales autour d'une tombe ouverte, car seuls les mythes classiques ou les scènes historiques étaient des sujets appropriés pour un tableau aussi grand. Au début, Courbet fut ostracisé pour son travail, mais il s'avéra finalement très influent pour les générations ultérieures d'artistes modernes. Ce modèle général de rejet et d’influence ultérieure a été répété par des centaines d’artistes de l’ère moderne.
Vous trouverez ci-dessous une liste de certains des artistes les plus éminents de la forme d'expression artistique moderniste :
- E
- Hippolyte blancard
- Paul Cézanne
- Salvador Dalí
- Max Ernst
- Paul Gauguin
- Vincent van Gogh
- Hector Guimard
- Wassily Kandinsky
- Raoul François Larche
- Jacques-Henri Lartigue
- Fernand Léger
- Henri Matisse
- Joan Miró
- Edvard Munch
- Pablo Picasso
- Piet Mondrian
- François Klein
- Paul Klee
- Frantisek Kupka
- Paul Strand
- charles sheler
- Henri de Toulouse
- Lautrec
- Edouard Vuillard
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