Découvrez les différents styles de sculptures mayas

Afin que vous puissiez mieux comprendre les chiffres et Sculptures mayas, visitez cet article intéressant pour découvrir un type de sculpture de l'époque précolombienne, de cette culture indigène qui a donné à l'humanité un grand trésor pour son savoir.

Caractéristiques des sculptures mayas

Les sculptures mayas ont été réalisées avec des matériaux de la région tels que des roses et des pierres précieuses, du stuc et même du bois, dont les motifs formaient une combinaison de symboles miraculeux, de formes de personnes et d'animaux.

Mise en valeur des reliefs, des bas-reliefs et des œuvres tridimensionnelles, qui faisaient partie d'un ornement architectural ou étaient des monuments. De cette façon, ils ont été organisés en linteaux, panneaux muraux, encadrements de portes, escaliers, façades, stèles, autels, pierres tombales, pièces de plafond et figures individuelles.

Bien que les Mayas utilisaient généralement le ciseau ou le marteau pour tailler, les sculptures en pierre étaient finies avec une technique abrasive utilisant des éléments tels que le sable, le cristal de roche ou les coquilles de mollusques, puis peintes ou recouvertes de stuc.

Principales sculptures mayas

Bien que la symbologie utilisée dans les sculptures mayas soit généralement complexe, elles ont une histoire dans ces figures. Décrivons quelques-unes des images sculpturales de cet art :

Chac Mool

Étant une effigie unique d'un corps humain allongé tenant un récipient sur le ventre avec ses mains, il symbolise le messager des dieux.

C'était une image que les Toltèques respectaient à leur arrivée à Chichen-Itza, et qui les obligeait à vivre selon leurs croyances. En ce sens, de nombreux historiens la décrivent comme une sculpture maya-toltèque.

Stèles de Copan et Quiriguá

Étant les dalles les plus remarquables de la culture maya, se distingue la stèle E de Quiriguá, qui mesure un peu plus de dix mètres de hauteur et avait des fonctions cérémonielles. Alors que Copan Stela H représente le souverain Waxaklajuun Ub 'K'awiil.

marqueur de jeu de balle

Ce sont des anneaux de pierre et sont placés au centre des terrains de balle tels que Copán, Chinkultic et Toniná. En plus de servir de marqueur dans le jeu de balle en caoutchouc, ils représentaient la Lune.

D'autres sculptures incluent la plaque de l'esclave, le disque Chinkultic, le portrait du roi K'inich Janaab 'Pakal, les frises Holmul, l'autel de la tortue.

Egalement des représentations de l'aigle comme animal sacré, une croix qui symbolise les directions universelles, le jaguar exprimant le Soleil en route vers le monde souterrain et le serpent à plumes.

Tous ces monuments de la culture maya, chargés d'une étonnante perfection, constituent un trésor précieux pour l'humanité.

art maya

L'expression de la civilisation maya fait référence à l'art matériel de cette culture qui s'est développée dans l'est et le sud-est de la Mésoamérique à partir de la fin du préclassique (500 avant JC - 200 après JC) et s'est épanouie à l'époque classique (200 après JC - 900 après JC.).

De nombreux styles artistiques régionaux existaient, qui ne coïncidaient pas toujours avec les frontières changeantes des politiques mayas. Les cultures olmèque, toltèque et teotihuacan ont eu une influence significative sur l'art maya.

Cette expression culturelle précolombienne a connu une phase préclassique prolongée qui s'est terminée au XVIe siècle, lorsque des problèmes liés à la conquête espagnole ont détruit la culture de la cour maya et mis fin à leur tradition artistique.

Les principales formes d'art traditionnel encore utilisées aujourd'hui sont la production de textiles et la conception de maisons paysannes.

Histoire de l'art maya

Après le XIXe et le début du XXe siècle, les publications sur l'art et l'archéologie maya de Stephens, Catherwood, Maudslay, Maler et Charnay, qui donnaient pour la première fois accès à des photographies et dessins fiables des principaux monuments de la période maya classique.

Dans son livre de 1913, Herbert Spinden, A Study of Maya Art, il y a plus d'un siècle, a jeté les bases du développement de l'histoire de l'art maya, y compris l'iconographie.

Le livre contient une analyse des thèmes et des motifs présents dans l'art maya, en particulier les motifs de serpent et de dragon omniprésents, et une revue de «l'art matériel», comme la composition des façades, des faîtes de toit et des temples.

Le traitement chronologique de l'art maya par Spinden a ensuite été affiné en analysant les motifs de Tatiana Proskouriakoff, dans son livre A Study of Classic Maya Sculpture (1950), "A Study of Classic Maya Sculpture".

À partir des années 1970, l'historiographie des royaumes mayas apparaît, Palenque en premier lieu. L'interprétation de l'histoire de l'art rejoint l'approche historique prônée par Proskouriakoff, ainsi que l'approche mythologique initiée par MD Coe, avec l'enseignante d'art Linda Schele comme force motrice.

Des définitions fondatrices de l'art maya se retrouvent tout au long de l'œuvre de Schiele, et en particulier dans Le Sang des rois, écrit en collaboration avec l'historien de l'art M. Miller.

L'histoire de ce peuple est également due à la forte augmentation de la disponibilité d'images sculpturales et de céramiques, due, d'une part, à de vastes fouilles archéologiques et, d'autre part, à des pillages d'une ampleur sans précédent.

Depuis 1973, MD Coe a publié une série de livres avec des images et des interprétations de navires mayas inconnus, en utilisant le mythe des jumeaux héroïques du Popol Vuh comme modèle explicatif.

En 1981, Robicsek et Hales ont ajouté un inventaire de style codex et une classification des conteneurs mayas peints, révélant encore plus du monde des esprits mayas jusque-là peu connu. En ce qui concerne le développement, Karl Taube a développé plusieurs thèmes importants dans l'œuvre iconographique de Schele.

Les traités actuels d'analyse de l'art maya maintiennent les avancées des anciens ateliers de céramique maya, qui représentent l'expérience du corps et des sens dans l'art maya et les glyphes mayas, considérés comme des unités iconographiques.

Parallèlement, le nombre de monographies consacrées à l'art monumental de cours spécifiques ne cesse de croître. Le catalogue de l'exposition Court Art of the Ancient Maya (2004), « Court Art of the Ancient Maya », donne une bonne impression des récentes recherches américaines et mexicaines sur l'histoire de l'art maya.

Architecture

La conception des colonies et des villes mayas, et plus particulièrement celle des centres cérémoniels où résidaient les familles royales et de cour, se caractérise par le rythme des vastes sols en stuc des places, souvent situées à différents niveaux, reliées par de larges et souvent escaliers raides, dominés par des temples pyramidaux.

Sous les règnes successifs, les bâtiments principaux sont agrandis avec l'ajout de nouvelles couches de remblai recouvertes de stuc. Les réservoirs, les canaux d'irrigation et les drains constituent l'infrastructure hydraulique.

À l'extérieur du centre cérémoniel, en particulier dans la partie sud de la région maya, qui ressemble parfois à une acropole, se trouvaient les structures des nobles mineurs, des petits temples et des sanctuaires individuels, entourés des maisons de la population commune.

A partir des centres cérémoniels, les routes (sacbé), qui ressemblaient à des digues, se sont étendues à d'autres villes. Conformément au concept « d'état théâtral » (Geertz), on semble avoir accordé plus d'attention à l'esthétique qu'à la solidité de la construction.

Cependant, une attention particulière a été portée à l'orientation directionnelle de la construction. Les styles de base des structures architecturales constituent:

Plates-formes cérémonielles, généralement de moins de 4 mètres de haut.
Places et palais.
D'autres bâtiments résidentiels, comme les maisons des scribes et une éventuelle maison municipale à Copan.
Temples et temples pyramidaux, ces derniers souvent avec des sépultures ou un remplissage à leur base, avec des sanctuaires au sommet. Un exemple notable est la concentration de temples mortuaires dynastiques sur l'Acropole Nord de Tikal.
Terrains de jeu de balle.

Les principales unités structurelles comprennent:

Pyramides triadiques, composées d'une structure dominante flanquée de deux petits bâtiments tournés vers l'intérieur, tous montés sur la même plate-forme basale ;
Groupes E, constitués d'une plate-forme carrée avec une pyramide basse à quatre marches du côté ouest et une structure allongée, ou alternativement trois petites structures, du côté est;
Ensembles de pyramides jumelles, avec des pyramides identiques de quatre degrés, apparaissant sur les côtés est et ouest d'un petit carré ; un bâtiment à neuf entrées côté sud ; et une petite enceinte du côté nord où se trouve une stèle sculptée avec son autel, qui commémore la cérémonie finale du katun (k'atun) célébrée par le roi.

sculpture en pierre

Le principal style sculptural préclassique de la région maya était celui d'Izapa, une grande ville sur la côte pacifique, où un certain nombre de stèles et d'autels (en forme de grenouille) ont été trouvés qui incluent des motifs également trouvés dans l'art olmèque.

Les stèles pour la plupart non inscrites présentent souvent des thèmes mythologiques et narratifs, dont certains semblent être liés au mythe des jumeaux héroïques Popol Vuh.

Cependant, on ne sait pas encore si les habitants d'Izapa étaient mayas, termes ethniques. Les principaux types de sculptures en pierre de la période classique sont:

traînées; de longues dalles de pierre, généralement sculptées et inscrites, et souvent accompagnées d'autels circulaires. La caractéristique de la période classique est que la plupart d'entre eux portaient des représentations des dirigeants des villes où ils se trouvaient, souvent représentés comme des dieux. Alors que les visages des dirigeants, en particulier pendant la période classique tardive, sont de style naturaliste, ils ne présentent généralement pas de traits individuels, à quelques exceptions notables, comme la stèle 35 de Piedras Negras. Les stèles les plus remarquables sont celles de Copán et de Quiriguá. Ils sont exceptionnels pour leurs détails complexes, et ceux de Quiriguá aussi pour leur hauteur ; Par exemple, la stèle E de Quiriguá mesure plus de 7 mètres au-dessus du sol et s'étend jusqu'à 3 mètres sous terre. Les stèles de Copan et de Toniná sont généralement sculptées sur le devant et les côtés. À Palenque, bien qu'il s'agisse d'un important centre d'art maya, aucune stèle notable n'a été conservée.

Linteaux enjambant les entrées des bâtiments. Yaxchilan en particulier est connu pour le grand nombre de linteaux en relief profond, dont certains des sites les plus célèbres sont des ancêtres déifiés ou, peut-être, des divinités locales.
Panneaux et planches, placés sur les murs, les piliers des bâtiments et les côtés des plates-formes. Palenque en particulier est célèbre pour les grandes tablettes qui ornent l'intérieur des sanctuaires du temple Grupo de las Cruces, et pour le raffinement de chefs-d'œuvre tels que la « Tablette du Palais » et la « Tablette de l'Esclave », ainsi que les panneaux de les plates-formes des temples XIX et XXI. peuvent également être inclus dans cette catégorie.
Autels circulaires ou rectangulaires, parfois soutenu par trois ou quatre pierres. Ils peuvent être entièrement ou partiellement figuratifs, comme «l'autel des tortues» à Copán, ou ils peuvent avoir une image en relief sur le dessus, consistant parfois en un seul symbole pour le jour Ajaw, comme El Caracol et Toniná.
zoomorphe; De grands rochers sculptés, dont la forme ressemble à un animal, recouverts d'ornements élaborés. Les zoomorphes semblent se limiter au royaume de Quiriguá à la fin de la période classique ; ils peuvent avoir été utilisés comme autels.
marqueurs de jeu de balle; Reliefs arrondis placés dans l'axe central du terrain de jeu (comme ceux de Copán, Chinkultic et Toniná), montrant généralement des scènes du jeu de balle réel.
Trônes pierre avec une large assise carrée et un dossier parfois sculpté de représentations de figures humaines. Certains exemples de Palenque et Copán ont des supports qui représentent les divinités porteuses cosmologiques (Bacab, Chaak).
La sculpture ronde bombée il est particulièrement connu de Copán et de Toniná. Il est représenté par la statuaire, en tant que scribe assis de Copán et par certains personnages captifs et petites stèles de Toniná ; pour les éléments architecturaux figuratifs, comme les vingt dieux du maïs sur la façade du temple de Copán, et pour les très grandes sculptures qui faisaient partie intégrante de la conception architecturale, comme les jaguars et les singes musiciens de Copán.

Sculpture sur bois

Bien que l'on pense que les sculptures sur bois étaient courantes dans le passé, seuls quelques exemples ont survécu. La plupart des sculptures sur bois du XVIe siècle étaient considérées comme des objets d'idolâtrie et détruites par les autorités coloniales espagnoles.

Les exemples les plus importants de la période classique comprennent des linteaux en bois finement travaillés, notamment ceux des principaux sanctuaires pyramidaux de Tikal et une copie du site voisin d'El Zotz.

Les reliefs en bois de Tikal, composés chacun de plusieurs poutres, datent du VIIIe siècle et montrent un roi à son siège avec une figure protectrice en arrière-plan sous la forme d'un "serpent de guerre" à la Teotihuacan, un jaguar, ou une représentation humaine de le dieu jaguar du feu terrestre.

D'autres linteaux de Tikal représentent un roi obèse, vêtu d'une robe de jaguar, debout devant son siège ; et, le plus célèbre, un roi victorieux, habillé en dieu de la mort astral, debout sur un palanquin sous la figure en forme de dôme d'un serpent à plumes.

Un rare exemple d'objet utilitaire est la petite boîte Tortuguero recouverte d'une longue inscription hiéroglyphique. Parmi la sculpture en bois libre, se distingue la figure digne d'un homme assis, datant du VIe siècle, et servant peut-être de support à un miroir.

modelage en stuc

À la fin de la période préclassique, des moulures en stuc recouvertes de plâtre recouvraient les sols et les bâtiments des centres urbains et formaient le cadre de leurs sculptures en pierre.

Souvent, de grands panneaux de masque, avec une modélisation en haut-relief des têtes des dieux (en particulier les divinités du soleil, de la pluie et de la terre), étaient fixés aux murs de soutènement en pente flanquant les marches des plaques. . -formes. temples (par exemple Kohunlich).

Le modelage et les reliefs en stuc peuvent recouvrir un édifice entier, comme le temple de Rosalila à Copán datant du VIe siècle. Il a des façades en plâtre bien conservées, dans leurs couleurs d'origine, et est dédié au premier roi de Copán, Yax K'uk' Mo'. Les frises, les murs, les piliers et les boucliers en stuc préclassique tardif et classique ont des programmes décoratifs différents, parfois avec un symbolisme compliqué.

Diverses solutions ont été utilisées pour diviser et ordonner les surfaces en stuc des bâtiments, y compris la construction en série. Les murs du "Temple du Soleil Nocturne" à El Zotz, datant du début du classique.

Ils sont constitués d'une série de panneaux de masques de divinités aux variations subtiles, tandis qu'une frise de palais Balamku, également Early Classic, avait une série de représentations de quatre dirigeants assis sur la bouche ouverte serpentine de quatre animaux différents (dont un crapaud) associés avec des montagnes symboliques.

Alternativement, les frises peuvent être centrées sur un seul dirigeant, également assis sur une montagne symbolique (remplie de maïs), comme on le voit sur une frise Holmul, avec deux serpents à plumes émanant de sous le siège du dirigeant, et une autre frise, de Xultún, dans où le souverain utilise une grande barre d'apparat avec des figures émergentes qui ressemblent à des jaguars.

Une frise du temple de Placeres, Quintana Roo, datant du début du classique, a un grand panneau de masque avec un jeune seigneur ou divinité au milieu et deux divinités "grand-père" (maman) latérales étendant leurs bras.

Les frises sont souvent divisées en compartiments. Par exemple, une frise d' El Mirador , datant du préclassique tardif , montre les espaces intermédiaires du corps d'un serpent ondulant rempli d'oiseaux aquatiques et des sections d'une bande d'eau en dessous avec des figures de natation.

Une frise classique d'un palais à Acanceh est divisée en panneaux avec des représentations de différentes figures animales évoquant la route, tandis qu'un mur à Toniná montre des champs en forme de losange évoquant des échafaudages et des scènes narratives continues actuelles relatives au sacrifice humain.

Les crêtes plâtrées des temples sont similaires à certaines des frises mentionnées ci-dessus, en ce sens qu'elles montrent généralement de grandes représentations de dirigeants, qui à leur tour peuvent s'asseoir sur une montagne symbolique et peuvent être placés dans un cadre cosmologique, comme dans le cas du Temple du Soleil à Palenque.

D'autres exemples de modèles en stuc datant de la période classique incluent les piliers du palais de Palenque, décorés d'une série de représentations de dames et de messieurs en tenue rituelle, ainsi que l'entrée "baroque" en stuc de Chênes, qui date de la fin Classique , montrant des figures humaines naturalistes sur l'Acropole d'Ek' Balam.

La modélisation en stuc de la période classique comprend des portraits réalistes d'une qualité équivalente à celle des anciens Romains, comme en témoignent des exemples exceptionnels de portraits en stuc grandeur nature de dirigeants palenques et de dignitaires toniná.

Certains de ces portraits de tête faisaient partie de figures en stuc grandeur nature qui ornent les crêtes des temples. Le modelé des portraits rappelle également certaines figures de poterie Jaina.

Peinture murale

Malgré le fait que relativement peu de peintures mayas ont survécu intactes à ce jour, en raison du climat humide des plaines d'Amérique centrale.

Des vestiges importants ont été trouvés dans presque toutes les grandes résidences de la cour, en particulier dans la banlieue. structures qui ont été cachées sous des ajouts architecturaux ultérieurs.

Les murs forment généralement des motifs qui montrent une certaine répétition, tels que des symboles floraux, avec de subtiles variations, sur les murs de la maison E du palais de Palenque ; des scènes de la vie quotidienne, comme dans l'un des bâtiments qui entourent la place centrale de Calakmul et dans un palais de Chilonche.

Ou des scènes rituelles qui incluent des représentations de dieux, comme dans les peintures murales des temples postclassiques du Yucatán et de la côte est du Belize.

Ils peuvent également enseigner un caractère plus narratif, généralement avec les "sous-titres" glyphiques inclus. Les peintures murales multicolores de Bonampak, par exemple, datent de 790 après JC. C. et qui s'étendent à travers les murs et les arcs de trois salles continues, ils montrent de merveilleuses figures de noblesse, de bataille et de sacrifice, ainsi qu'un groupe de personnifications rituelles au milieu d'une rangée de musiciens.

Les peintures murales de San Bartolo, datant de 100 av. C. font référence aux mythes du dieu maya du maïs et du héros jumeau Hunahpú, et représentent une double intronisation ; Bien qu'il remonte à l'ère classique de plusieurs siècles, le style est déjà pleinement développé, avec des couleurs subtiles et tamisées par rapport à celles de Bonampak ou de Calakmul.

Dans une pièce de Cacaxtla, dans le centre-est du Mexique, en dehors de la région maya, des peintures murales peintes dans un style maya à prédominance classique, avec des couleurs souvent fortes, ont été trouvées s'étendant sur 20 mètres et comprenant une scène de combat féroce ; les figures de deux seigneurs mayas, debout sur des serpents ; et un champ de maïs et de cacao irrigué, visité par la divinité marchande.

La peinture murale se produit également dans les cavernes voûtées, les tombes (par exemple Blue River) et les grottes (par exemple Naj Tunich), généralement réalisées en noir sur une surface blanc cassé, parfois avec l'utilisation supplémentaire de peinture rouge.

Les voûtes du Yucatan affichent souvent une représentation de la divinité intronisée sur le trône, K'awiil (par exemple Ek 'Balam).

Une couleur bleu turquoise brillante, connue sous le nom de "bleu maya", a été préservée à travers les siècles pour ses caractéristiques chimiques uniques ; Cette couleur est présente à Bonampak, Cacaxtla, Jaina, El Tajín et même dans certains couvents coloniaux. L'utilisation du bleu maya s'est poursuivie jusqu'au XVIe siècle, lorsque la technique a été perdue.

écriture et livres

Le système d'écriture maya est composé d'environ 1,000 XNUMX caractères ou glyphes différents et, comme de nombreux systèmes d'écriture anciens, il s'agit d'un mélange de syllabique et de logogrammes. Cette écriture était en usage dès le troisième siècle avant Jésus-Christ. C. jusqu'à peu de temps après la conquête espagnole au XVIe siècle.

Actuellement, il a été possible de déchiffrer une partie considérable des caractères, mais leur signification et leur configuration en tant que texte ne sont pas toujours connues.

Les livres étaient pliés et fabriqués à partir de feuilles de papier d'écorce ou de cuir, recouvertes d'une couche de stuc adhésif pour l'écriture ; ils étaient protégés par des couvertures en peau de jaguar ou éventuellement des planches de bois.

Étant donné que chaque diseuse de bonne aventure avait probablement besoin d'un livre, on pense qu'un grand nombre de livres auraient pu exister. Actuellement, seuls trois livres mayas postclassiques sont conservés : les codex de Dresde, de Paris et de Madrid.

Un quatrième livre, le Grolier, est maya-toltèque plutôt que maya ; à part les signes du calendrier, il ne contient aucun texte. Fragmentaire et de piètre qualité artistique, il présente de nombreuses anomalies, son authenticité a donc longtemps été mise en doute.

La plupart des codex ont un contenu divinatoire et sacerdotal, des almanachs avec tables astrologiques et programmes rituels ; Le codex de Paris comprend également les prophéties de Katun. Une grande attention a été portée à l'équilibre harmonieux du texte et des illustrations.

En plus des textes inclus dans les codex, il y avait une écriture cursive avec un caractère plus dynamique, trouvée sur les peintures murales et les céramiques, et qui a été imitée en pierre sur les panneaux de Palenque (comme le "Tableau" des 96 glyphes") . .

Les textes sont souvent enfermés dans des «boîtes» carrées de différentes formes à l'intérieur de la représentation. Les peintures murales peuvent aussi être entièrement composées de textes (Ek' Balam, Naj Tunich) ou, plus rarement, de calculs astrologiques (Xultun).

Ces textes, parfois écrits sur une surface en stuc blanc, et exécutés avec un soin et une élégance particuliers, ressemblent à des agrandissements de pages de livres.

Les glyphes sont omniprésents et ont été écrits sur toutes les surfaces disponibles, y compris le corps humain. Les glyphes eux-mêmes sont très détaillés, et les logogrammes en particulier sont d'un réalisme trompeur.

D'un point de vue artistique et historique, les glyphes peuvent être considérés comme des motifs artistiques. Par conséquent, les sculpteurs de Copán et de Quiriguá se sont sentis libres de transformer les éléments glyphiques et les signes du calendrier en scènes dramatiques miniatures très animées ("Glyphes avec des figures achevées").

Céramique et "style codex"

Contrairement à la poterie d'usage courant, que l'on retrouve en grande quantité parmi les décombres des sites archéologiques, la poterie la plus décorée (vases cylindriques, assiettes à couvercles, vases, gobelets) était autrefois la "monnaie sociale" de la noblesse maya et a été conservée. comme un héritage. famille, et a également accompagné les nobles dans leurs tombes.

La tradition aristocratique des fêtes d'échange de cadeaux et des visites cérémonielles, et l'émulation qui s'ensuivit inévitablement lors de ces échanges, expliquent en grande partie le haut niveau artistique atteint à l'époque classique.

Réalisée sans tour de potier, la poterie décorée était délicatement peinte, sculptée en relief, incisée, ou surtout au début du Classique, stuquée, en appliquant de la peinture sur une surface d'argile humide, une technique développée pour les fresques de Teotihuacan.

Les précieux objets en céramique ont été fabriqués dans de nombreux ateliers répartis dans les royaumes mayas ; Certains des objets les plus célèbres sont associés au "style Chamá", au "style Holmul", au "style Ik" et, pour la céramique sculptée, au "style Chocholá".

La décoration des récipients en céramique présente une grande variation, montrant des scènes de palais, des rituels de cour, de la mythologie, des glyphes de divination et même des textes dynastiques tirés de chroniques, et continue de jouer un rôle important dans la reconstruction de la vie et des croyances mayas de la période classique.

Les scènes de poterie et les textes peints en noir et rouge sur fond blanc, semblables à des pages de livre pliées, sont connus sous le nom de « style codex » ; Le chevauchement graphique et pictural avec les trois codex mayas survivants est, du moins jusqu'à présent, relativement faible.

L'art de la céramique sculpturale comprend des bols Early Classic avec des couvercles montés par des figures humaines et animales; Certains de ces bols, d'un noir bruni, comptent parmi les œuvres les plus remarquables de l'art maya.

La poterie sculpturale comprend également des brûleurs d'encens et des urnes funéraires. Les brûleurs d'encens richement décorés du royaume de Palenque de la période classique sont bien connus, avec le visage modelé d'une divinité ou d'un roi attaché à un cylindre allongé.

La divinité la plus représentée, associée à un feu de terre, orne également les grandes urnes funéraires classiques du département guatémaltèque d'El Quiché. Personnifications sacerdotales des divinités, qui portent souvent des offrandes.

Enfin, les figures en céramique, souvent moulées et d'une vivacité et d'un réalisme exceptionnels, constituent un genre mineur mais hautement instructif.

En plus des divinités, des "personnages animaux", des souverains et des nains, ils représentent de nombreux autres personnages, dont des scènes de la vie quotidienne. Certaines de ces figures sont des ocarinas et peuvent avoir été utilisées dans des rituels. Les exemples les plus impressionnants proviennent de l'île de Jaina.

Pierres précieuses et autres matériaux de sculpture

Il convient de noter que les Mayas, qui n'avaient pas d'outils en métal, ont créé tant d'objets à partir de jade (jadéite), un matériau très épais et dense, qui comprenait de nombreux articles vestimentaires (royaux) tels que des plaques de ceinture, des cache-oreilles, des boucles d'oreilles et plus encore. cher.

Parfois, les Celtes (c'est-à-dire les ornements de hache) étaient gravés d'une représentation similaire à celle de la stèle du souverain, comme la "plaque de Leiden" datant du début du classique.

L'exemple le plus connu de masque est probablement le masque mortuaire de K'inich Janaab 'Pakal, le souverain de Palenque, qui se compose de plaques de jade ou de tesselles de forme irrégulière et d'yeux en nacre et en obsidienne.

Un autre masque mortuaire, appartenant à une reine de Palenque, est constitué de plaques de malachite. De même, certains récipients cylindriques de Tikal ont une couche externe de disques de jade carrés. De nombreuses sculptures en pierre étaient incrustées de jade.

D'autres matériaux sculptés et gravés comprennent le silex, la coquille et l'os, qui ont souvent été trouvés dans des caches et des sépultures. Les silex dits "excentriques" sont des objets d'apparat, d'usage incertain, qui, dans leurs formes les plus élaborées, ont une forme allongée.

Habituellement avec plusieurs têtes allongées sur un ou les deux côtés, représentant parfois la divinité de la foudre (K'awiil), mais le plus souvent un éclair anthropomorphe avec les caractéristiques du dieu du maïs entassé.

Les coquilles ont été utilisées pour produire des disques et d'autres objets décoratifs représentant des têtes humaines, et peut-être des têtes et des divinités ancestrales; Les trompettes en coquillage étaient décorées de la même manière.

Des ossements humains et animaux étaient décorés de symboles et de scènes incisés. Une collection de petits os tubulaires modifiés, provenant d'une sépulture royale du VIIIe siècle située dans le temple du Grand Jaguar à Tikal, contient certaines des sculptures les plus subtiles connues des Mayas, dont plusieurs scènes montrant des représentations du dieu du maïs. tonsuré dans un canot.

Arts appliqués et décoration corporelle

Les tissus de coton de l'époque classique n'ont pas survécu, mais les représentations de l'art maya fournissent des informations détaillées sur leur apparence et, dans une moindre mesure, sur leur fonction sociale. Ils comprennent des tissus délicats utilisés comme enveloppes, rideaux et auvents dans les palais. et aussi des vêtements. Les techniques de teinture peuvent avoir inclus l'ikat.

La tenue vestimentaire quotidienne dépendait de la position sociale. Les femmes nobles portaient les robes longues, les ceintures et les pagnes des nobles, laissant les jambes et le haut du corps plus ou moins exposés, à moins que des vestes ou des couvertures ne soient portées. Les hommes et les femmes pouvaient porter des turbans.

Les costumes portés lors des cérémonies et de nombreux festivals étaient luxuriants et expressifs ; les coiffes d'origine animale étaient courantes. Le costume le plus élaboré était la robe formelle du roi, représentée sur des stèles royales, avec de nombreux éléments ayant une signification symbolique.

Connus uniquement par des représentations fortuites dans l'art sculptural et céramique, la vannerie et le tissage ont dû être autrefois omniprésents; le célèbre motif pop ("mat") atteste de son importance.

Les décorations corporelles consistaient souvent en des motifs peints sur le visage et le corps, mais pouvaient aussi avoir un caractère plus permanent, marquant des différences d'âge et de position sociale. Les décorations permanentes comprenaient la déformation artificielle du crâne, le tatouage du visage, le limage des dents et l'ajout d'incrustations.

collections du musée

Il existe un grand nombre de musées qui ont des artefacts mayas dans leurs collections. La Fondation pour l'avancement des études mésoaméricaines (FAMSI) compte plus de 250 musées dans sa base de données sur les musées aux artefacts mayas et l'Association européenne des mayanistes (WAYEB) recense une cinquantaine de musées, rien qu'en Europe.

À Mexico, le Musée national d'anthropologie possède une collection particulièrement importante d'artefacts mayas. Plusieurs musées régionaux du Mexique possèdent d'importantes collections, notamment le musée des stèles "Román Piña Chan" à Campeche, le musée régional "Palacio Cantón" du Yucatán à Mérida et le musée régional d'anthropologie "Carlos Pellicer Cámara" à Villahermosa, Tabasco. .

Au Guatemala, les collections les plus importantes sont celles du Musée Popol Vuh et du Musée national d'archéologie et d'ethnologie, tous deux situés à Guatemala City.

Le British Museum de Londres, le Metropolitan Museum of Art de New York, le Peabody Museum of Archaeology and Ethnology de Cambridge, Massachusetts, et le Museum of Archaeology and Anthropology de l'Université de Pennsylvanie sont quelques-uns des autres musées qui présentent des collections remarquables. d'objets mayas.

Le Musée des Cultures de Bâle, en Suisse, possède une série de linteaux en bois Tikal ; Le musée ethnologique de Berlin, en Allemagne, possède une grande collection d'artefacts mayas. En Belgique, les Musées royaux d'Art et d'Histoire de Bruxelles abritent une importante collection.

Le Field Museum of Natural History de Chicago possède une remarquable collection de poteries mayas et le Cleveland Museum of Art de l'Ohio possède l'une des plus grandes collections d'artefacts mayas des États-Unis.

Le musée américain de Madrid abrite une grande collection d'objets de Palenque ; C'est aussi le musée où est conservé le Codex de Madrid. D'autres musées européens notables sont le Musée national d'ethnologie de Leiden aux Pays-Bas et le Musée Rietberg de Zurich en Suisse.

Art précolombien

L'art précolombien est le nom donné à l'ensemble des œuvres artistiques et intellectuelles, telles que la sculpture, l'architecture, l'art de la pierre, la céramique, les textiles, le métal et la peinture réalisés par les indigènes du continent américain à l'époque précédant l'invasion européenne.

C'est l'élément le plus important qui permet la connaissance et la reconnaissance des civilisations précolombiennes, preuve de leur niveau de développement et de leur capacité à transformer leur environnement.

Aunque el término «precolombino» se define en términos generales como todo lo que había en América antes de que los españoles llegaran a América en 1492, en realidad se refiere a un período de tiempo en el que se desarrollaron diferentes culturas que dejaron la marca permanente dans le pays. Art et qui font actuellement l'objet d'études scientifiques.

Lorsque les Espagnols sont arrivés, tous les peuples américains n'étaient pas dans le même état culturel, et il y avait ceux qui avaient toutes les caractéristiques de la civilisation et d'autres qui étaient à un stade d'évolution plus précoce.

C'est pourquoi les anthropologues et les archéologues ont délimité deux zones. L'Amérique dite nucléaire est occupée par des peuples civilisés et comprend à peu près le Mexique, une partie de l'Amérique centrale et les Andes et ses environs, de la Colombie au Chili.

Le terme "période classique" a commencé avec le développement de la culture maya vers 292 et s'est terminé avec son déclin apparent vers 900. Il a été inventé par ceux qui croient que cette période représente l'apogée de la splendeur de l'art précolombien.

Cette idée est actuellement débattue par ceux qui soulignent que l'art précolombien d'avant et d'après cette période n'était pas inférieur à celui de la période classique.

Les étapes précolombiennes étaient structurées de préférence isolées les unes des autres pendant la période d'origine, mais pendant l'étape classique, une formation d'apprentissage et d'influence mutuelle a commencé, même entre les deux principales zones de civilisation : la Mésoamérique et les Andes. Les coïncidences dans la représentation de certains mythes, de mots similaires et de certaines coutumes suggèrent que, surtout après la période classique, les contacts entre différentes civilisations n'étaient pas sporadiques.

Cadre géographique

La structure géographique est conditionnée à la fondation des colonies espagnoles sur le continent, puisque le terme « précolombien » désigne un signal du point de vue hispano-américain. Par conséquent, d'autres cultures américaines de territoires non hispaniques sont nommées différemment. Parmi ces territoires de cultures précolombiennes, il y en a quinze en particulier qui se distinguent par l'énorme quantité de traces et de matériaux situés notamment dans deux zones : la Mésoamérique et les Andes.

En Méso-Amérique, qui comprend le territoire actuel du Mexique et de l'Amérique centrale, les civilisations sont précédées par les Olmèques et la fondation d'une des premières villes américaines : Teotihuacán. Les autres cultures seraient les Mayas, les Mixtèques, les Toltèques et enfin les Aztèques.

Dans les Andes, qui comprennent les territoires de tous les pays traversés par la chaîne montagneuse du Venezuela et de la Colombie, au nord, vers les régions septentrionales du Chili et de l'Argentine, au sud, les Chibchas s'imposent comme le point de rencontre entre la Mésoamérique et les Andes, San Agustín, Colima, Sinú, Chavín, Nazca et Inca.

Mésoamérique

Archéologues, anthropologues et historiens décrivent la Méso-Amérique comme une vaste région culturelle, historique et géographique d'environ un million de km2, bordant le fleuve Sinaloa au nord-ouest du Mexique sur la côte du golfe de Lerma et Soto de la Marina et au sud avec le fleuve Ulúa au Honduras et à Puntarenas au Costa Rica.

Le Mexique en est l'épicentre, où se sont basées les cultures des trois régions les plus importantes d'un point de vue historique et artistique : la vallée de Mexico au centre, la vallée d'Oaxaca au sud-est de la première et la côte du Golfe à l'est. Malgré les différents classements chronologiques, l'histoire de la région est généralement divisée en cinq périodes principales.

Olmèque

L'art olmèque fait référence aux expressions artistiques préservées de la culture olmèque qui s'est développée au cours de la période préclassique moyenne en Méso-Amérique (florissante entre 1200 avant JC et 500 avant JC) et est considérée comme la première des grandes civilisations de cette région.

Bien que les Olmèques aient particulièrement occupé la partie nord de l'isthme de Tehuantepec, les principaux sites archéologiques se trouvent à San Lorenzo, La Venta et Tres Zapotes, ainsi qu'à Villahermosa et Tabasco, leur influence s'est étendue à de nombreuses régions mésoaméricaines et de nombreux aspects culturels communs ont commencé .de ces cultures.

Avec eux, comme la culture des montagnes et des reflets (comme la pyramide conique de La Venta), la culture du serpent à plumes et du dieu jaguar, le jeu de balle ou la symbolique. jade religieux La culture olmèque, qui a inventé l'écriture, à l'aide de pictogrammes et d'idéogrammes, et le calendrier, a été identifiée à l'origine comme un style artistique et en reste la marque de fabrique.

C'était une référence et un héritage pour toutes les cultures ultérieures d'Amérique centrale : Toltèques, Zapotèques et plus et avec les Aztèques : l'écriture maya en est un exemple avec ses racines dans le premier système glyphique développé par les Olmèques.

Son expression artistique se manifeste par une grande maîtrise technique de la sculpture et de la ciselure, qui pour beaucoup n'a de comparaison avec aucune autre civilisation précolombienne.

La plupart de l'art olmèque est naturaliste, mais il utilise aussi une riche iconographie, il reflète une signification religieuse, avec d'autres fantastiques. , créatures anthropomorphes souvent très stylisées.

Un art colossal ou monumental, fait d'argile, de pierre (principalement basalte et andésite) et de bois, et un art ou décoration plus petit, à base de jade jadéite et autres pierres vertes (serpentine), et d'obsidienne. – avec quelques peintures rupestres. Les monuments de pierre peuvent être divisés en quatre classes :

têtes de pierre colossales (jusqu'à 3 m de hauteur et 10 t de poids), un exemple de sculpture monumentale taillée dans du basalte provenant de carrières lointaines, qui sont les œuvres les plus représentatives de l'art olmèque, dont 17 spécimens ont été trouvés sur divers sites de la zone centrale olmèque . Ils se caractérisent par leur aspect négroïde, aux yeux gonflés, aux lèvres charnues et au nez large, avec un casque bien ajusté, qui représenteraient des dieux, des guerriers ou des chefs, des chefs de famille ou des ancêtres, et même des joueurs de balle. . (L'apparition des négroïdes a conduit à la conjecture qu'ils étaient la preuve de certains contacts interocéaniques dans les temps anciens.)
"Autels" rectangulaire (probablement des trônes) [citation nécessaire] comme le célèbre autel 4 de La Venta, avec une cavité à l'avant qui représente une porte vers le monde souterrain, d'où émerge un personnage mythologique tenant une corde qui entoure l'autel comme une frontière.
Sculptures sur poutres rondes et indépendants, comme "Les Jumeaux" d'El Azuzul, le monument de San Martín Pajapan 1 ou le Seigneur de Las Limas, une œuvre serpentine d'un jeune homme assis avec un jaguar dans les bras, motif fréquent dans l'art olmèque.
Stèles, introduites plus tard que les têtes colossales, les autels ou les sculptures autoportantes. Au début, ils étaient une simple représentation de personnages, comme le Monument 19 ou la Stèle 1 de La Venta, mais plus tard, ils en vinrent à représenter des événements historiques, en particulier des actes légitimant les dirigeants. On dit que cette tendance culmine dans les monuments post-olmèques tels que La Mojarra Stela 1, qui combine des images de dirigeants avec des glyphes et des dates calendaires avec de longs comptes à rebours.

Une autre variante d'engin plus petite est les sculptures en forme de masque de pierre de jade dure. Le jade était un matériau particulièrement précieux et serait utilisé par les classes dirigeantes comme signe de rang. Déjà en 1500 à. C., les premiers sculpteurs olmèques ont dominé la forme humaine, comme en témoignent les sculptures en bois découvertes dans les zones marécageuses d'El Manatí.

Les conservateurs et les chercheurs se réfèrent aux masques faciaux de «style olmèque»: les têtes humaines sont assez grandes par rapport au corps du personnage, une combinaison d'yeux enfoncés, de narines plates et d'une bouche large, légèrement arquée et légèrement asymétrique.

Avec une lèvre supérieure épaisse (la lèvre olmèque, qui a été liée à la forme de la bouche du jaguar) et un petit menton, parfois avec une fente sur la tête, mais, à ce jour, aucun exemple n'a été trouvé dans un Olmèque contrôlé archéologiquement. le contexte.

Ils ont été trouvés dans des lieux d'autres cultures, dont un délibérément placé dans l'enceinte cérémonielle de Tenochtitlán (Mexique). Le masque avait probablement environ 2000 XNUMX ans lorsque les Aztèques l'ont enterré, ce qui suggère que ces masques étaient prisés et collectés, tout comme les antiquités romaines en Europe.

Comme les arts olmèques étaient fortement liés à leur religion, qui mettait en valeur les jaguars (il croyait que dans un passé lointain une race d'"hommes jaguars" se serait formée entre l'union d'un jaguar et d'une femme) le "style olmèque" allie aussi traits du visage humain et jaguars.

Une série de statuettes d'argile et de pierre, connues sous le nom de miniatures olmèques, abondent également dans les sites archéologiques tout au long de la période de formation, et parmi elles, les soi-disant visages de bébé, petites sculptures en céramique blanche avec des visages d'enfants, avec une grosse tête, amande des yeux en forme de poire, des lèvres charnues, un casque et un corps en forme de poire.

On peut également citer les haches Kunz (appelées aussi « haches votives »), sculptures représentant des « hommes-garous jaguars » et utilisées de manière suggestive dans les rituels. Dans la plupart des cas, la tête représente la moitié du volume total de la figure. Toutes les épaules Kunz ont un nez plat et une bouche ouverte.

Le nom "Kunz" vient de George Frederick Kunz, un minéralogiste américain qui a décrit une figure en 1890. D'autres jades caractéristiques sont les soi-disant "cuillères olmèques". Les expositions d'art sont très complexes et de nombreux objets sont encore à l'étude. La céramique s'est également développée dans la région de l'isthme de Tehuantepec, atteignant de grands sommets artistiques à Barra, Locona et Ocós.

Les pièces olmèques les plus importantes ont été récupérées sur des sites fouillés et transférées dans des musées, les meilleures collections étant le musée d'anthropologie de Xalapa et le musée du parc La Venta, avec des spécimens exceptionnels également au musée national d'anthropologie de la capitale mexicaine.

Teotihuacan

La culture de Teotihuacán pratique un art solennel d'adorer les dieux et la nature, dont le seul but est de représenter le sublime et le terrible de la lutte entre divers dieux.

Elle n'aspire pas à la beauté mais à l'accomplissement d'une mission religieuse et d'une vision cosmique de la vie. Les Teotihuacanos se distinguent principalement par leur travail de la pierre, tant dans la partie architecturale que dans la sculpture, utilisée pour renforcer les croyances mythiques et religieuses de cette ville.

La divinité principale représentée artistiquement dans cette ville était Tlaloc, dieu de la pluie qui dominait toutes les manifestations de la nature.

Teotihuacán est un temple de la ville, sans murs. L'avenue principale, appelée "Calle de los Muertos" par les Aztèques, relie les nombreux temples, comme celui de Quetzalcóatl, le dieu serpent, à d'autres édifices, comme la Pyramide du Soleil et la Pyramide de la Lune.

Un travail de masque abondant, défini par des visages larges et une tendance à la bidimensionnalité et à l'utilisation du jade et des pierres dans ces merveilleuses expressions artistiques.

Maya

Les Mayas étaient situés dans le sud-est du Mexique, principalement dans la péninsule du Yucatan, ainsi qu'une grande partie du Guatemala, du Belize, du Honduras et du Salvador. Ils ont construit un grand nombre de villes dont la splendeur s'est étendue sur plusieurs siècles, telles que Kaminaljuyú, Tikal, Calakmul, Palenque, Copán et Chichén Itzá.

L'art maya se concentre sur l'élite maya et le culte des rois divins, et traite d'une plus grande variété de thèmes que toute autre tradition artistique des Amériques. Il a de nombreux styles régionaux et est unique à l'Amérique ancienne dans le son avec le texte narratif.

La civilisation maya a laissé derrière elle un vaste patrimoine architectural qui comprend des palais, des acropoles, des temples, des pyramides et des observatoires astronomiques. L'architecture maya a également incorporé l'écriture glyphique et diverses formes d'art, telles que la sculpture sur pierre.

Les stèles de pierre sont courantes sur les sites des villes, souvent associées à des pierres circulaires basses appelées «autels». La sculpture en pierre a également pris d'autres formes, telles que les panneaux de calcaire en relief de Palenque et Piedras Negras et les escaliers en pierre décorés de sculptures dans des endroits tels que Yaxchilán, Dos Pilas, Copán, entre autres.

Les plus grandes sculptures mayas étaient des façades architecturales en stuc élaborées qui, après avoir été modelées, étaient peintes de couleurs vives et placées sur les façades des temples.

Ils appréciaient le jade vert et d'autres pierres vertes, s'associant au dieu solaire K'inich Ajau. Ils ont sculpté des artefacts allant de perles fines et de tesselles à des têtes sculptées pesant 4,42 kg.25 La noblesse maya pratiquait la modification dentaire, certains seigneurs portant des incrustations de jade sur leurs dents.

Les masques en mosaïque des tombes pouvaient également être en jade. Ils travaillaient également le bois, le silex, le silex et l'obsidienne et soulignaient des silex excentriques. Ils ont également sculpté des os et des coquilles d'humains et d'animaux du genre Spondylus. Plus tard, ils ont fabriqué de petits objets en or, en argent et en cuivre en utilisant des techniques de martelage et de cire perdue.

Les Mayas avaient une longue tradition de peinture murale, avec des motifs polychromes peints sur des murs lisses en plâtre. Bien que la plupart d'entre eux n'existent plus, il existe plusieurs peintures murales survivantes, peintes en crème, rouge et noir, dans les tombes de la période classique précoce à El Caracol, Río Azul et Tikal, ainsi que la série de grandes peintures classiques tardives à Bonampak.

La poterie maya a été fabriquée en utilisant la technique de déformation au rouleau. Il n'était pas émaillé, même s'il avait souvent une belle finition brunie. Il a été peint avec un bain d'argile mélangé à des minéraux et des argiles colorées.

Le corpus en céramique polychrome de style Ik, composé d'assiettes finement peintes et de récipients cylindriques, est né à la fin de la période classique à Motul de San José. Il comprend un certain nombre de caractéristiques, telles que des glyphes peints dans une couleur rose pâle ou rouge, et des scènes de danseurs masqués.

L'une des caractéristiques les plus distinctives est la représentation réaliste des thèmes tels qu'ils apparaissent dans la vie réelle. Les thèmes des vases comprenaient la vie de cour dans la région du Petén au XNUMXème siècle après JC. CC, comme les réunions diplomatiques, les fêtes, les effusions de sang rituelles, les scènes guerrières et le sacrifice des prisonniers de guerre.

Mixtèques

Ces peuples indigènes ont occupé la vallée d'Oaxaca vers 1300 après JC, déplaçant les Zapotèques de Monte Albán et d'autres villes importantes, formant des seigneuries indépendantes. Des traces de l'occupation de La Mixteca datant d'au moins 6,000 XNUMX ans ont été trouvées.

Avec l'invasion de Monte Albán et l'établissement de la ville de Mitla comme capitale, la culture mixtèque a atteint sa période de splendeur maximale. Son déclin a commencé avec l'expansion des Mexica vers 1458, jusqu'à la fin de la conquête espagnole de l'empire mixtèque vers 1521.

Les Mixtèques ont développé un type d'écriture pictographique qui combine des éléments de Monte Albán et de Teotihuacán, et leur littérature est conservée dans divers codex tels que Nuttal et Selden. Huehueteotl, l'un des principaux dieux des Mixtèques, est fréquemment représenté sur des urnes en céramique d'influence zapotèque.

Cependant, son dieu tutélaire était Dzahui, qui partage des attributs avec Tlaloc. Les Mixtèques étaient également des orfèvres et des potiers, et ils exportaient des articles de luxe vers d'autres régions de la Méso-Amérique, comme la céramique polychrome, l'art de la plume et les pièces d'or, qu'ils combinaient avec la turquoise, comme dans le cas du bouclier de Yanhuitlán.

L'une des pièces les plus connues est le masque en or du dieu Xipe Tótec, saint patron de la guilde des orfèvres. Un autre pendentif est composé de quatre plaques reliées entre elles par des anneaux et couronnées par quatre cloches allongées.

Le plateau supérieur montre un terrain de jeu rituel avec deux divinités représentant la dualité éternelle et un crâne au centre, le second est un disque solaire, le troisième symbolise la Lune et le quatrième symbolise la Terre.

Pour de nombreux archéologues, les pièces de Monte Albán sont la plus haute expression artistique, technique et esthétique du monde préhispanique. L'habileté et la perfection des Mixtèques, qui ont créé les quelque cinq cents joyaux de la soi-disant tombe n. º 7 ont été combinés avec sobriété et fonctionnalité.

Un exemple de ceci est les muscles pectoraux, qui peuvent être utilisés indépendamment ou combinés pour former un grand collier, les muscles de la poitrine, qui est une figure portant un masque buccal avec des dents décharnées et un casque, qui est exécuté dans un ressort sophistiqué.

Sur la poitrine, il y a une écriture qui fait référence à une correction du calendrier et de la cosmologie du moment historique dans lequel les pièces ont été fabriquées.

Mexique

L'art du soi-disant Mexica se distingue par la monumentalité de ses sculptures en pierre, qui se distinguent par leur drame et leur beauté originale.30 La Pedra do Sol, le Monolithe Tlaltecuhtli, le Monolithe Coyolxauhqui et la sculpture de la déesse Coatlicue sont considérés chefs-d'oeuvre. . de la sculpture mexicaine.

L'architecture religieuse de Mexica s'est développée selon les lignes directrices de la tradition mésoaméricaine, proposant comme innovation la construction de temples jumeaux à double marche, comme représentation de la double nature des dieux mexica.

Il convient de souligner le Templo Mayor, situé à México-Tenochtitlán, qui occupait une superficie de 100 x 80 m et atteignait une hauteur de 40 m. Elle était dédiée à Huitzilopochtli et Tlaloc, dieux tutélaires des Tenochcas. Une autre construction très typique des Mexicas était le tzompantli, une structure où s'accumulaient les crânes des sacrifiés.

L'art de la plume, fait par des amoureux, était l'une des expressions artistiques les plus représentatives et les plus dévouées des Aztèques. Ils fabriquaient des ornements à base d'or, de pierres précieuses et de plumes diverses, notamment le quetzal.

Ces vêtements étaient utilisés pour orner les sculptures des dieux, pour faire des offrandes ou comme insignes militaires. Les pièces les plus remarquables de ce plumeria faisaient partie du trésor de Huey Tlatoani.

La pictographie de Mexica a été créée par Tlacuilo, artistes chargés d'illustrer les codes mexicains, les peintures murales et les sculptures. Les codex mexicains étaient fabriqués à partir de coquillages bien-aimés et peints avec divers colorants.

Voici quelques liens d'intérêt :